Hernández y Fernández

POR CIERTO...

2012-01-13T02:07:00.000-08:00

Lo primero, perdón por haber ocultado a tu pequeña belga tras la inhóspita rotundidez de Angela Merkel. pero te aseguro qe más que con Cádiz, lupas y otros menesteres tiene que ver con mi torpeza no del todo achacable a mis dificultades de visión. De todos modos, si el error te sirvió como justificación para colgar en este blog la maravilla que es la canción y clip de Tom Zé, doy por bienvendio el errpr.

Pero vamos a lo que vamos, que no es otra cosa que el "por cierto..." que me merece tu pequeña belga. Y ese "por cierto..." no es otro que otro belga. Un rockero belga que ya es una leyenda y que es llamado por todo aquel que quiere "adornar" sus discos con una voz rotunda y cascada y una forma inimitable de cantar. Ese rockero es Arno, adorado por Jane Birkin y por el hijo de su amado Serge Gainsbourg. Un rockero que interpreta así.

Arno, nacido en Ostende, comenzo su carrera en inglés, idioma en el que obtuvo sus primeros éxitos, hasta que cayó en la cuenta de que el mercado francés era el más apropiado para su música.
Se dice de él que es el Higuelin o el Tom Waits belga, creo más que por afán de simplificación que con animo de precisar. Voz ronca: Tom Waits y rockero: Higuelin o, por qué no, Bashung.
Lo cierto es que quien le haya escuchado alguna vez no tendrá dudas de que Arno es único.

Como queda claro en este tema, los grandes rockeros, especialmente los que más se las dan de duros, se deshacen en las baladas y son capaces de dar en ell,as matices inalcanzables a los blandos que habitualmente lanzan sus redes en esos mares. Y, por si queda alguna duda, ahí va esto.

En fin, no hay que perderse a este tipo genial. Tanto en sus propias creaciones, como en las innumerables versiones que hace de los temas de otros. Yo, ahora me voy de nuevo a Cádiz, para perder algo nuevio y, en el tren, Arno acompañará mi viaje

HIJOS DE...

2012-01-13T01:17:00.000-08:00

Hace más de tres décadas, cuando decidí cambiar los animales como objeto del interés de mis estudios por el cine, una canción escuchada en las fm, extrañamente para en francés, se constituyó en mi banda sonora interior. Esa canción, de un delicado e inteligente pop, la interpretaba un joven de rasgos, que no de aspecto, no precisamente franceses, más bien un tanto nortefricanos, llamado Louis Chedid, que, cusriosamente, me recordaba sobremanera a mi amigo Sergio. La canción, que de vez en cuando sigo escuchando, se llamaba y se llama "Ainsi-soit-il", "Así sea, y, a pesar de los años, sigo siéndole fial al autor.

Con el tiempo supe que Louis Chedid había nacido en Egipto, que era hijo de una de las más reconocidas poetas francesas, Andrée Chedid, nacida a su vez en el Líbano, y de un científico de la misma nacionalidad.
La carrera posterior de Chedid ha sido, y está siendo, larga y fructífera, por lo que no puedo dejar de recomendaros cualquiera de los muchos álbumes que ha publicado desde entonces.
Pero lo que me ha hecho traerle aquí es el hecho de que Louis Chedid tiene, a su vez, un hijo que ha revolucionado la música francesa en los últimos tiempos, Mathieu Chedid, que, curisoamente, ha escogido conquistar su sitio con una única M, la inicial de su nombre, como nombre artístico. Lo cierto es que con esa M y su peculiar aspecto le basta.

El no menos peculiar falsete de M Chedid y, sobre todo, su virtuosismo a la guitarra le han hecho imprescidndible en una gran cantidad de grabaciones, para las que es reclamado como colaborador de lujo. Por ejemplo en el último álbum de Lulu Gainsbourg, en cuya presentación pública, el hijo del gran Lucien Gainsbourg no le quiso poner falta. Lo tuvo sobre el escenario a la guitarra y junto a Ayo.

Magnífico y nada decepcionante, por cierto, ese disco homenaje de Lulu a su padre, "From Gainsbourg to Lulu", en el que hay verdaderas joyas como esta "Javanaise" que transforma y embellece aún más si cabe Richard Bona.

Otro magnífico hgijo de... de ka música francesa es Arthur H, hijo de Jacques Higuelin, dotadoi de una voz sugerente y llena de matices y¡, además, un verdadero virtuoso del piano, como lo demostró en el último doble álbum, "Mistic Rhumba", en el que repasa, con sólo su piano, lo mejor de sus creaciones. Arthur H se ha movidoen el territorio del jazz y se nota, pero también en la música electrónica y en los ritmos latinos. De uno de sus últimos discos "Adieu Tristesse", sale este tema que es un guiño y un juego con la música de uno d elos clásicos franceses que más ha influido en la música de este siglo y el pasado, Eric Satie. Aquí interpreta esta "Chanson de Satie" con las voces de Feist.

uno de losQuien sin duda debe llevar la música en la sangre es Thomas Dutronc, hijo de la mítica Françoise Hardy y del no menos mítico Jacques Dutronc. Un magnífico guitarrista que se debate entre el pop más pop y su gran pasión, el jazz manouche, como en este caso.

Por poner un punto final a los hijos de... que Francia nos ha dado en los últimos años, no podemos olvidarnos del lánguido Vincent Delerm, hijo del escritor y periodista Phillip Delerm, columnista en Le Monbde y autor, entre otros éxitos, de ese panfleto tan vitalista y tan francés que tituló "El primer tragoo de cerveza y otros placeres de la vida". Vincent ha dado una nueva dimesnsión a las canciones que hablan de la vida cotidiana y de una adolescencia que se prolonga interesadamente en el tiempo. Magnífico músico, es autor, además, de canciones para otros, como las que firmó para el actor François Morel. En su faceta de intérprete es tan interesante como sigue.

En el resto del mundo, especialmente en la música anglosajona, los ejemplos se multiplican. Están los hijos de Lennon, de Dylan, el de Woody Guthrie, Arlo, y tantos y tantos que harían la nómina interminable. Yo me voy a detener sólo en dos.
El primero, un hombre que merece reconocimiento sólo por el hecho de ser hijo del productor que financió con su propio dinero las primeras grabaciones discográficas de alguna de las grandes figuras del jazz, entre ellas Billie Holifay. Y no sólo eso, tambien descubrió para los estudios de grabación a figuras como Bob Dylan o Bruce Springsteen. Se trata de John Hammond que, para su carrera en el folk y el blues, sólo recibió de su padre el nombre.

El otro hijo de... del que tampoco quiero olvidarme es James McMurtry, hijo del novelista y guionista cinematográfico Larry McMurtry, autor, entre otros, de los guiones de "The last picture show", la magnífica fotografía de la juventud rural de la Norteamerica de los sesenta, o el de la triunfadora en lso óscars "Brokeback Mountain".
James, que se mueve en ese género, cajón de sastre de otros géneros, que hemos dado en llamar "americana", es, además, un activista de izquierdas que se la jugó y mucho durante la ominiosa administración de Bush hijo, recordando que estaba metiendo a los jóvenes en otro Vietnam.

Evidentemente hay muchos más hijos de... algunos olvidados intencionadamente y otros, simplemente, olvidados. Sé que esta entrada te va a dar trabajo, querido Fernández, así que manos a la obra. Quede como corolario de lo escrito hasta ahora que la cultura genera cultura y, sobre todo, la creatividad genera creatividad. Por eso, de padres creadores nacen hijos creadores, entre otras cosas, porque en ambientes abonados para la cultura, la cultura crece mejor.

Por cierto...

2011-12-17T09:28:00.000-08:00

...que con tanto irte a Cádiz y perder la lupa y las llaves, me has retirado a mi "pequeña belga" de la ventana que aparece en tu blog "A media luz" y las has sustituido por una foto de Merkel. ¡Qué horror! Pero todo este trasiego de blogs, lupas, gafas, cumbres, crisis, euros... me ha traido a la memoria una canción que me descubriste y que creo viene al pelo de la situación en la que vivimos de propaganda para vendernos lo inevitable cuando siempre hay alternativas... Supongo que ya sabes a cual me refiero: "Tô" de Tom Zé...
"Te estoy explicando para confundirte, te estoy confundiendo para esclarecerte. Te estoy iluminando para cegarte, te estoy dejando ciego para poderte guiar"...

Un abrazo y nos vemos pronto...

P'tite belge

2011-11-29T09:53:00.001-08:00

¡Me ha costado! Pero cuando la escuché y la vi en un programa de televisión, me puese a escribir esta entrada mientras recordaba aquella canción de Jacques Brel en la que ensalzaba con ironía las bondades de las flamencas. Las belgas, no las del arte hondo...

Rubia, de claros ojos azules, poquita cosa en el escenario, Selah Sue es la nueva revelación de la fecunda escena bela. En su voz rasgada y melódica, algunos ven la continuación de la malograda Amy Winehouse. Incluso los avispados responsables de "marketing" de su compañía de discos le han puesto el mismo peinado. Esperemos que su carrera artísica y vital trascurra por otros derroteros. De momento, en su album debut se ha visto arropada por algunos músicos de reconocida trayectoria como el afro-alemán Patrice, la impresionante bajista Meshell N'degeocello y el rapero Cee-lo Green con el que ya había grabado el año pasado un dúo para el album The Lady Killer titulado Please...

Nacida hace 22 años en una población del Brabante flamenco próxima a la universitaria ciudad de Lovaina, Sanne Putsey -su verdadero nombre- es hija de un funcionario y de una enfermera. De niña estudió ballet y, según cuenta en las entrevistas, nunca había pensado en dedicarse a esto de la canción a pesar de que no desafinaba. Pero su voz, como su cuerpo, comenzó a cambiar con la adolescencia y entró en un estado depresivo -con tratamiento incluido- que la llevó a la guitarra: una tabla de salvación a la que se agarró con tanta fuerza que los psicólogos le aconsejaron, a modo de terapia, volcar sus pensamientos en la escritura. De ahí salió el material que conforma el esqueleto del primer disco en el que se suceden los "hits". El primero de ellos, en homenaje a una de sus principales influencias: Bob Marley, se llama "Raggamuffin"... Esta "p'tite belge" recuerda en el escenario a Janis Joplin en camisa blanca y está rodeada de un grupo joven que suena fráncamente bien. Su éxito ha sido fulgurante en su país -donde fue elegida como telonera de Prince a finales del año pasado y ha sido cabeza de cartel en los principales festivales de verano- y en Francia, a pesar de cantar en inglés, le han concedido este año el prestigioso Premio Constantin destinado a dar a conocer a "artistas poco mediatizados". No es el caso, Selah Sue ha vendido 170.000 ejemplares de su disco y ya ha actuado en la prestigiosa Sala Olympia de París. Esta fascinación viene sin duda por esa voz rasgada que recuerda a Amy en su tema estrella "Crazy Vibes"... Sus verdaderas influencias musicales vienen de Erykah Badu y de Lauryn Hill, la cantante de Fugees, cuya canción "Selah" está en su nombre artístico. A ella se remite y rinde homenaje en sus actuaciones en directo...Selah Sue es también sensibilidad a flor de piel. Su tema "Mommy", arreglado por N'degeocello (cuyo nuevo disco, por cierto, es bastante interesante), la presenta en su mínima expresión: voz y guitarra...Espero que al final de este "post" ya hayáis adoptado a esta "p'tite flamande". Por cierto, os dejo con la canción de Brel que sabe a cerveza rubia y a chocolate...
Jacques Brel Les Flamandes 1962 engl.sub par lightning49

POR CIERTO...

2011-10-31T11:11:00.000-07:00

...hay banquillo. Si me permites, querido Hernández, esta expresión tan futbolera para un asunto de tanta sensibilidad y finura como la "chanson" francesa. Es la esperanza que nos queda ante la pérdida de artistas que buscan más la belleza que la fama efímera y la rentabilidad económica inmediata que nos ofrecen estos tiempos de vorágine. Artistas que como Allain Leprest no sólo quieren que les oigan, sino que exigen ser escuchados.
Entre los que toman el relevo destacan varias voces femeninas, lo que sin duda te alegrará aún más el corazón. Hay variedad, además, para gozo de nuestros sufridos seguidores.
La primera se presenta con la desnudez de su nombre artístico: L. Esta parisina nacida como Raphaële Lannadère hace 30 años es la nueva sorpresa elogiada por otro representante de la chanson de nombre mayúsculo: M -Mathieu Chedid- y por la mismísima Brigitte Fontaine. No es una recien llegada. Lleva diez años peleando y ha conseguido que su primer disco "Initiale", aparecido la pasada primavera, sea ya objeto de culto. Su aspecto frágil, casi transparente, se compensa por unas convicciones que sin duda Leprest aplaudiría. "El esfuerzo intelectual y personal que se invierte en un disco y luego en escena, no es para tomárselo a broma", dice L -pronunciesé como el nombre de la revista femenina-. Su profesora de canto asegura que "es un fenómeno capaz de cantar fados, tangos y flamenco, pero que siempre opta por retenerse en favor de los textos". Dicho todo esto, lo mejor es apreciar su arte en este video-clip de promoción...

Jalouse - L (Raphaëlle Lannadère) [Clip Officiel] par L-officiel

En plan más auténtico, una de sus prestaciones en directo con la enorme canción "Petite"...

"Petite" - Maroquinerie Décembre 2009 par L-officiel

A la espera de su confirmación, busquemos un valor seguro: Camille. Desde que en 2005 sorprendiera a todo el mundo con un disco titulado "Le Fil", que desarrollaba una serie de temas alrededor de una misma nota, todo son expectativas en torno al trabajo de esta licenciada en Ciencias Políticas. Muchos se vieron decepcionados con "Music Hole" (2008) totalmente cantado en inglés y ahora vuelven a extasiarse con "Ilo Veyou" que, a pesar del juego fonético del título, vuelve al francés y a la voz como instrumento. "L'etoruderie" -"El aturdimiento"-en versión acústica lo constata...

Camille - L'étourderie (acoustique) (HD) par CamilleOfficiel
Para los que quieran profundizar aún más en esta especie de Björk francesa, nada mejor que contemplar su última prestación en la televisión pública -en las privadas estas cosas impiden tener el cerebro apto para recibir las gili.... necesarias para permanecer anestesiado-...

Camille - live à Ce Soir Ou Jamais, France 3... par CamilleOfficiel

Pero como no sólo de concepto viven los seguidores de la chanson, también hay cantantes frívolas y, además, a pares. Es un dúo, claro, pero se llaman Brigitte, como aquella mujer a la que creó Dios por obra y gracia de Vadim...

Son jóvenes, son guapas, son sexys y tienen sentido del humor... Presiento que en este blog va a nacer un club de seguidores -fans decíamos antes y creo que a ellas les va mejor-, si es que aún no está creado por Juan de Pablos en su Flor de Pasión. Así que lo mejor es que las descubramos juntos...

¿Un poquito más? Uhmmmm....

POR CIERTO...

2011-09-23T03:23:00.000-07:00

Por cierto... supongo que es porque ya no me muevo por los barrios en los que la música fluye de la gente, aunque también poidría ser porque a la gente que decide en esto de la música ya no les interesa la calles. lo cierto es que aquí, en España, al menos en la ciudad de Madrid, que es por donde yo me muevo, hace tiempo que no brota la música como antes. Quizá me equivoque y os juro que me gustaría.

Ya no hay un sonido, a la vez distinto y con raíces, como lo fueron en su día los hermanos Amador, que dieron para "Pata Negra" y mucho más.

Algo parecido ocurrió en Barcelona, donde la calle y sobre todo los gitanos, que vienen a ser en cuanto a creación muiscal como los negros de América, "parieron" algo tan universal ya como la rumba de Barcelona que ya es la rumba gitana y que recogio como nadie un tal Javier, llegado en un barco desde la Argentina.

Difícilmente podrá nadie escribir una declaración de amor más hermosa a una ciudad. Y no fue la única que regaló el Gato a Barcelona. Fundió en un verso la esencia de esa música callejera de la que hablamos "La rumba nació en la calle, hija de Cuba y u gitanito" y a partir de ahí el encadenado de todos lso barrios que eran y son en la ciudad.
Pero volvamos a lo nuestro a la música de la calle. Aquí, muy cerca de mi barrio, está el Pan Bendito. Otro barrio, otras gentes, gitanos y emigrantes nacionales en un principio y una ONU de todas las razas y pasaportes ahora. Allí, en el barrio del "me lo das o te lo quito" se crió el "Langui", uno de los tíos más fuertes y más libres que conozco que de la mano de la música con "La Excepción" o desde el cine -tiene ya un Goya- le gritó al mundo la realidad de su vida y de su barrio.

Lo que no vieron las discográficas en el hip hop -en cierto modo lo desprecian- sí han sabido verlo quienes conocen su fuerza y tratan de emplearla en causas inteligentes. Aquí aparecen muchos de quienes lo cultivan, si no en Españla, sí en Madrid uniendo sus voces para el racismo.

Esta es la fuerza del hip hop y esa fuerza la razón por la que esta música está creciendo en España: saben de qué están hablando, saben cámo y tienen razones para hacerlo. A mí, desde luego, el hip hop me interesa y mucho. Especialmente este mulato de Torrejón que sabe mucho de la música y de las calles y se hace llamar El Chojín.

La calle y la música siempre han ido juntas ¿por qué no también ahora?

IL PLEUT SUR LA MER

2011-09-09T05:45:00.000-07:00

"Llueve sobre la mar y no sirve para nada". Con esos dos versos Allain Leprest, este joven viejo comunista -demasiado joven, porque cincuenta y siete son pocos años para dejar este mundo- me cautivó para siempre. Le descubrí, como se descubren las grandes coas, casi por casualidad. Fue gracias a esas nuevas tecnologías que tanto aborrecen quienes quieren vivir "de" y no "para" la música. Fue, claro está, en eso que llamamos la red y fue gracias a esa red que supe que la tradición de la canción poética francesa, la "chanson", no había muerto con Brel. Recuerdo que en estas mismas páginas me atreví a reprocharte, amigo Fernánndez, que no me hubieses informado de que Brel, el autor de la canción más hermosa y trste que se ha escrito, "Ne me quitte pas", seguía vivo bajo la piel de Leprest. Y es que las canciones y los versos de este ganial compositor y cantante desprendían ese perfume de melancolía que dejan los grandes amores y las grandes verdades del hombre. Verdades tan granbdes como la de que hay pocas cosas más inútiles que la lluvia sobre el mar.

Te he dicho que tuve la osadía de reprocharte no haberme hablado nunca de Leprest y es injusto haberlo hecho, porque, la verdad, Allain leprest tampoco era demasiado coocido entre el gran público e incluso entre la prensa francesa. Sin embargo, sus canciones eran muy apreciadas por sus colegas, tanto que alguna llegamos a escuchar en la voz de Juliette Gréco o Enzo Enzo. Por eso tiene más valor que alguien tan parco en elogios como Claude Nougaro, autor de "Le Cinema", haya dicho de él, aún en vida, que " era el autor más brillante bajo el cielo de la canción francesa.
Y menos mal que Leprest que, en mi opinión, aún no ha alcanzado el prestigio que merecen él y su obra aún, pudo recoger en sus tres últrimos años de vida, cuando la enfermedad se cebó con sus pulmones, todo el cariño de esos colegas que, desde Adamo a Olivia Ruiz, pasando por Sanseverino, participaron en el espectáculo homenaje a su música, que dio origen a esos dos bonditos álbumes de homenaje titulados, como el espectáculo del Bataclan "Chez Leprest", gracias a los cuales pude conocer su música..

Leprest, que, junto al acrordeonita Richard Galliano, obtuvo el Gran Prix du Disque de la Academia Charles Cross por su álbum más "apache", "Voce a mano", ha gozado también de gran reconocimiento también por su poesía. De hecho, obtuvo el Gran Premio de Poesía que le otorgaron sus compañeros de la SACEM, (Sociedad de Autores, Compositores y Editores de Música) y, como ciudadano que ha contribuido a la grandeza de Francia, la distinción de Caballero de la Orden del Mérito de la Nación.
Méritos y honores demasiado rimbombantes quizá, para alguien capaz de escribir algo tan delicado como este "Une valse pour rien" que canta aquí junto a su emocionada hija Fantine.

El maldito cáncer de pulmón que arrancó de nuestro lado a nuestro amigo Charlie puso también fecha y hora para el final de la vida de Lepret, pero, rebelde como siempre fue, quiso gastarle una broma al destino y, minetras pasaba unos días de descanso en casa de un amigo después de haber participado en el festival homenaje póstumo a su amigo, el también comunista Jean Ferrat, decidió escribir su último verso. Así, el lunes 15 de agosto, al anochecer, Allain decidió que había luchado demasiado contra el cáncer al que ya había vencido y que quería descansar para siempre, como si nada pasase.

Nos hemos quedado sin saber cómo sería el álbum que preparaba, un álbum que recogería sus más bellas canciones, tantas, que iba a grabar este mes de seprtiembre con una orquesta sinfónica.
Francia, y no digamos nosotros, tardó en darse cuenta de lo grande que era este gigante... de la canción y de la vida.
Me lo imagino ahora, con su paquete de Gitanes y su zippo en la chaqueta, quiza con una copa de vino en la mano, bailando entre sombras en el infinito ese vals para nada o regando, una vez por semana las flores de ese jardín por el que nunca paseaba.

Rythm & Roots

2011-07-16T04:59:00.000-07:00

Tengo que confesar que, aún siendo un gran seguidor de la música negra del siglo XX –desde el blues a lo que se denominó con cierto aire postcolonial: “música étnica”-, el rap me ha llamado la atención pero no he conseguido conectar con algunas de sus figuras más emblemáticas. Desde luego que bailé y bailo con el “Raper’s delight” de los Sugarhill Gang y disfruto con la variante latina de Arianna Puello, pero me pierdo en la maraña de grupos y artistas americanos. Seguramente porque no me entero de lo que quieren contar y no alcanzo a apreciar sus cualidades melódicas. Siempre hay, en efecto, una excepción que confirma la regla y esa es la del grupo The Roots. Aunque me equivoque, les veo como continuadores del trabajo realizado por el recientemente fallecido Gil Scott Heron en el compromiso social y porque, desde el punto de vista musical, son continuadores de lo que empezara Jon Hendricks en el mítico trío “Hendricks, Lamberts & Ross” al desarrollar el “scat”: fraseo que convierte la voz en un instrumento. De hecho, el tema que me enganchó e introdujo en su música es “Dat Scat”, incluido en el EP “From the ground up”, y que cuenta con la colaboración del saxofonista Steve Coleman…

El grupo nació a finales de los 80 en una escuela parecida a la de la serie “Fama” en los suburbios de Filadelfia. Allí se encontraron el rapero Tariq “Black Thought” Trotter y el batería Ahmir “?uestlove” Thompson que aún son los pilares de una formación por la que ha pasado mucha gente. Llama la atención el video de sus inicios adolescentes en los que se puede ver al primer bajista Josh “the rubberband” Abrams que luego formó su propio cuarteto de jazz…

Como se puede observar el jazz ronda el grupo desde sus inicios. De hecho, llegaron a dar un concierto de presentación en Europa a principios de los 90 en el prestigioso festival de Montreux. Pero es el rap lo que les motiva, aquí está el que fue su primer “hit” en las listas de éxitos estadounidenses: “Clones”…

The Roots funciona como un combo en el que salen y entran los músicos. Un espíritu que queda reflejado con mucho humor en el siguiente vídeo…

Por supuesto han trabajado y colaborado con los mejores raperos y cantantes de R&B. Desde JayZ a Erykah Badu a la que produjeron el disco “Baduizme” y con la que grabaron este “You got Me”, un poco sensiblero (nadie es perfecto)…

En la actualidad, The Roots son la banda de uno de los programas nocturnos de entrevistas y entretenimiento en la televisión estadounidense: “Late night with Jimmy Fallon”. Algo que, por ejemplo, hizo con anterioridad y durante años el saxofonista Branford Marsalis como el líder de la banda “The Tonight Show with Jay Leno”. Supongo que eso les ha dado una cierta respetabilidad y mucha proyección en el mercado estadounidense que han sabido aprovechar con dos magníficos discos en los tres últimos años: “How I Got Over” y “Wake Up!”.
El primero es un trabajo que sigue una misma argumentación melódica. Las primeras cinco canciones están hilvanadas mediante fundidos que, en la primera escucha, dan la sensación de que son variaciones sobre el mismo tema. También colabora en ello la voz de Dice Raw, habitual de The Roots en las tareas de composición y producción desde los inicios.

En este álbum se incluye un tema: “The fire” en el que aparece el dotado vocalista y pianista John Legend y cuyo vídeo merece la pena por su fuerza visual y su mensaje pacifista…

La colaboración tuvo que dejarles un buen sabor de boca porque decidieron firmar juntos “Wake Up!”: uno de los mejores álbumes de R&B del año pasado que se abre con este “Hard Times”…

Lo de las colaboraciones sigue adelante. Me acaba de llegar el programa del festival de jazz de La Villette y el concierto de clausura corre a cargo de Questlove’s Afro Picks. El batería y líder de The Roots ha reclutado a lo mejor del afro-beat, el funky y el soul en una big-band neoyorkina y las colaboraciones especiales de Macy Gray y Tony Allen para rendir homenaje al nigeriano Fela Kuti . ¡Estoy deseando ir!

P.S:
Mis agradecimientos públicos a mi amiga y seguidora de este blog Susana “La Pilla” Gutiérrez, quien recogió el llamamiento que hice para completar los “cromos-musicales” de la Historia del Blues según Robert Crumb y ¡encontró el tema que me faltaba de Ed Bell!¡Gracias, guapa!

POR CIERTO...

2011-07-07T09:48:00.000-07:00

…lo de tocar en las calles de París es casi obligado para determinados artistas que llegan a la capital francesa bien para buscarse la vida o bien para financiarse la estancia. Tu comentario sobre Madeleine Peiroux, cada vez más madura y por tanto más personal, me ha traído a la cabeza a otros nombres de artistas contemporáneos que habrían amenizado los pasillos y andenes del metropolitano parisiense a cambio de unas monedas.
Algunos, incluso, han vuelto a tocar ya siendo profesionales como muestra de agradecimiento al lugar donde se dieron a conocer. Es el caso del nigeriano Keziah Jones: el creador del “blufunk” –mezcla de blues, funky y soul- fue descubierto por uno de los directores musicales de un sello discográfico francés y hace tres años ofreció una serie de conciertos en varias estaciones patrocinados por la empresa municipal de transportes de París. El resultado fue el siguiente…

Jones tiene clara influencias de su paisano Fela Kuti y de Jimmy Hendrix pasado por el filtro de Prince y vive entre Lagos, Nueva York y París, donde de vez en cuando monta conciertos con otros músicos como este grabado en La Fleche d’Or con Yael Naim, entre otros…

KEZIAH JONES/ SPLEEN/ YAEL NAIM / SHINRI "RHYTHM... par la_bande_originale

Otros de los nombres de artistas que han tocado en el metro parisino puede que formen parte de la leyenda urbana como el de mi admirado Ben Harper. Su reciente visita por París para promocionar su último disco ha vuelto a sacar el tema pero yo no le he oído confirmalo. En cualquier caso, es una buena excusa para disfrutar de su último trabajo en solitario, sin los Innocent Criminals ni los Ralentless7…

Ben Harper : Don't Give Up On Me Now Vidéo fidjie sélectionnée dans Musique

De todas formas, no todo el mundo puede tocar en el metro de París. Desde 1997 hay que recibir el visto bueno mediante una audición delante de un jurado especializado a fin de evitar molestias mayores a los pasajeros. Hay que decir que el criterio ha bajado mucho en los últimos tiempos aunque la empresa que hace la selección edita discos con sus artistas y participa en festivales populares.
En cualquier caso, parafraseando a Don Ernesto en estos días de sanfermines,“el metro de París es una fiesta”…

LA CHICA DE LA CALLE HA VUELTO

2011-06-08T02:25:00.000-07:00

Mi alma de procrastinador, la que me empuja a dejar para mañana el dejar de serlo, me ha permitido esta vez recibir como se merece el último álbum de Madeleine Peyroux. la chica que, no hace tanto, cantaba por unas monedas en las calles de París.

La espera no ha sido esta vez tan larga como esas a las que nos tenía acostumbrados y, si he de ser sincero, ha sido mucho más productiva, porque este "Standing on the rooftop" es mucho más brillante, a veces sublime, que su anterior "Barebones".
La misma Madeleine habla de él en éste, el primer clip promocinal que ha liberado la compañía.

Que Madeleine era magnífica en las versiones, lo dejó claro desde aquel prmer disco "Dreamland" que arrancaba con ese "Walking after midnight" que había popularizado Patsy Cline. Lo corroboró en su segundo "Careless love", aparecido ocho años después, tras una desaparición difícilmente explicable -quién sabe si precisamente por ello- en un mundo lleno de ambicones y prisas. De ese álbum de la resurrección, es la preciosa "J'ai deux amours"

Aún recuerdo la primera vez que escuché a Madeleine, sin saber todavía nada de ella, en uno de esos puesto de escucha que había en la FNAC, entonces sólo había una, y cómo me sorprendio esa voz que de alguna manera recordaba a la castigada y expresiva voz de Billie Holiday. Una de esas voces ásperas y llenas de vida tan alejadas de las "voces de gimnasio" que tan de modoa pusieron la OT que en el mundo han sido. Una voz, increíblemente negra para su sonrosada piel que le permitía salpiar, cuando no llenar, de canciones "negras" su repertorio. Canciones como ese "I'm gonna sit righ down and write myself a letter" que hizo famoso a Billy Williams que te hacía caminar a saltitos por los pasillos.
Pero también fue capaz de "bordar" canciones blancas y dulces como "La javanaise" del genial Serge Gainsbourg que tuve la suerte de escucharle, "a capela" y frente a un silencio devoto, en el todavía Centro Cultural de la Villa de Colón. Reconozco que me dejé transportar no sé a dónde y, como diría un enamorado, me hizo suyo para siempre.
Un poco más adornada, y un poco menos sincera que aquella, aquí va esta otra versión, grabada en un concierto en Washington.

El "Standing on the rooftop" que ayer se puso a la venta tiene dos magníficas versiones de sendos temas de The Beatles, "Martha my dear" y Bob Dylan "I Threw It All Away", además de magníficas colaboraciones en el estudio, como la de la sublime Me'Shell Ndegéocello, o en la composición, como la del ex rolling Bill Wyman, como este "The Kind You Can't Afford", un blues ligero que más de uno ha podido escuchar en la gira de rodaje que la Peyroux ha llevado a cabo por varias ciudades españolas

Para enamorados de esta sonrosada juglar -me niego a feminizar plabra tan hermosa- del Mississippi y el Sena, se ha lanzado una edición limitada que incluye un DVD de dos horas de duración, con directos, entrevistas y un documental sobre su vida.

POR CIERTO...

2011-06-07T02:12:00.000-07:00

La entrada que dedicaste a Laika Fatien trajo a mi memoria uno de los conciertos más emocionantes a los que he tenido la suerte de asistir. El escenario era el mejor auditorio que, acústicamente hablando, tiene Madrid, el anfiteatro del Colegio de Médicos, y la protagonista del concierto una mujer que he admirado con devoción, Abbey Lincoln, a la que tuve la suerte de escuchar en directo, tan cerca que puede hacerle esta y otras fotos que conservo, a pocos años de su muerte. Abbey, una mujer que aunaba toda la fuerza de su rebeldía y una dulzura increíble a la hora de decir sus canciones.

Ann Marie Woodridge, que ese era su verdadero nombre, tomó el del presidente que abolió la esclavitud como nombre artístico para una carrera que desarrolló tanto en la música como en la pantalla. En el cine la recordamos en películas como "Un hombre para Ivy", que protagonizó, y apariciones en numerosas series de televisión.
Abbey, activista por los derechos civiles, compartió con su marido, el baterista Max Roach, una militancia, en la que su música se convirtió en una magnífica arma de penetreción en la conciencia de los ciudadanos estadounidenses.

De una increíble y serena belleza, esta mujer -como digo- puso toda su fuerza y su arte al servicio de la causa de los derechos civiles, dejando que sus conciertos y sus grabaciones se marcasen con esa etiqueta, a vecs perjudicial para su carrera.
De alguna manera, fue Spike Lee, en tu admirada "Mo' better blues", quien volvió a colocarla, ya en los noventa, en el mercado. Desde entonces, hasta que nos dejó hace diez meses hemos disfrutado del regalo de sus hermosas canciones, entre ellas, ésta, homenajeada por Laika Fatien.

Uno, que tiene tendencia a "colgarse" con los destellos de belleza, lo está con el primer corte de su álbum "Wholly Earth", en el que demuestra lo grande y hermosa que podía ser esta mujer, ya al borde de los setenta. Y no sólo por la cantidad de vida que encierran los matices de su voz, sino por la elegancia de ese cuerpo y ese rostro, asumidos con naturalidad. Por eso, entre otras muchas razones, adoro este "And it's supposed to be love",

Siete años después de publicar este magnífico "Wholly Earth", que -como dogo- me cautivó para siempre, y apenas unos meses después de aquel concierto en el Colegio de Médicos de Madrid, hubo de llevar su cansado corazón al quirófano. Finalmente en 2010 -en agosto hará un año- falleció a los ochenta en Manhattan.
Nos queda su arte, a veces tan desnudo como en este súo con el magnífico Hank Jones.

Tocando las estrellas

2011-05-09T05:10:00.000-07:00

Nacida de madre hispano-marroquí de origen sefardita y padre marfileño, Laïka Fatien es un descubrimiento que sólo tiene de malo un nombre que recuerda a la carrera espacial y a la desgraciada perra que fue lanzada al espacio por la Unión Soviética.
Después de una etapa inicial como cantante en una big band, Laïka –que ese es su actual nombre artístico- comenzó una carrera en solitario en la que dejó ver sus claras influencias de una de las grandes desaparecida recientemente: la gran Abbey Lincoln. De hecho, el año pasado la rendía homenaje en español.

El español es su lengua materna al haber sido criada por su madre, su abuela y su tía, lo que debe aportarle una sensibilidad especial y toda cantante de jazz que se precie debe rendir homenaje a la más grande que la historia de la música ha dado: Billie Holiday. Su segundo disco, titulado Misery, es un homenaje sin arrojarse en manos del sentimentalismo fácil...

No obstante, Laïka creció y estudió en París. De ahí que a veces tenga que demostrar que tiene la altura intelectual que se supone a un artista en Francia. Su participación en la ópera de Laurent Cugny La Tectonique des nuages puede tener esa explicación…

El descubrimiento al que me refería es su tercer disco Nebula, producido por la profunda y poco acomodaticia bajista Meshell Ndegeocello, en el que Laïka realiza un repaso a sus influencias. En jazz encontramos a Thelonius Monk o Joe Henderson o Charlie Mingus; en clásica, al brasileño Villa-Lobos; en soul, Steve Wonder y en pop, a la islandesa Björk. Variedad como piden las eclécticas audiencias actuales pero sin demasiadas concesiones a la galería. Se trata de un disco profundo y sensible, como la voz de Laïka Fatien…

POR CIERTO…

2011-05-05T09:38:00.000-07:00

…la vida está llena de coincidencias y tengo dos que me vienen al pelo para comentar tu última entrada. La primera ocurrió hace unos años, aún no me había “fugado” de Madrid y estaba de copas por Malasaña cuando coincidí en un conocido bar de la plaza del 2 de mayo con Ricardo Solfa, singular cantantes de boleros y reencarnación en el Madrid postmoderno de uno de los cantautores más vanguardistas de la transición: Jaume Sisa. Yo había quedado muy impresionado por uno de los discos de pop-rock progresivo más interesantes de los años 70: “Galeta Galàctica” en el que colaboraba con Pau Riba y me resistía a verle en la parodia de cantante melódico en la que se había convertido a mediados de los 80. Discutimos en torno a unos gin-tonics y le reproche, arrogándome el papel de guardián de la esencias, que hubiera abandona a Sisa para convertirse en Solfa que, por cierto, tenía bastante éxito en los platós de la televisión de las nuevas cadenas privadas. Con los años me he dado cuenta que ambas personalidades no son incompatibles, sino que forman parte de la riqueza de un artista sensible, transgresor y vanguardista al que algo le deben –aunque sólo sea por abrir camino en tiempos difíciles- otros artistas catalanes como el anarquista y muy apreciado Albert Pla o los muy de moda Manel. Sirvan los siguientes videos para reivindicar a Sisa y a Solfa…

Su debut mundial de la mano de Sabina…

Sisa es un gran poeta musical y buscando vídeos en You Tube he topado con una colaboración que no me resisto a insertar porque es con el gran Pascal Comelade, músico catalán de Francia y gran intérprete de instrumentos musicales de juguete…

La otra anécdota es más reciente. Vivía yo en Bruselas y vino a casa una pareja amiga de un conocido y prestigioso corresponsal de un medio español. Era un viaje de fin de semana y el matrimonio venía con su hijo, un chaval de poco más de diez años. En aquella época, como he contado ya en este blog, yo le daba a la guitarra y torturaba a las visitas que se arriesgaban a seguir en casa más allá del café y las copas. Cuál no fue mi asombro y mi bochorno, cuando el pequeñajo cogió el instrumento y se puso a darme un repaso de cómo se debe tocar. Con el paso de los años –me voy haciendo viejo-, volví a coincidir con el matrimonio Padilla en la boda de nuestro amigo común. Y allí estaba el chaval, ya cumplida la veintena. Nos reímos recordando la anécdota y me quedé perplejo cuando me contaron que tenía un grupo que comenzaba a tener mucho éxito en Cataluña. Roger, que ese es su nombre, me envió a los pocos días el enlace de la página web del grupo y quedé gratamente sorprendido porque sonaba francamente bien. Su nombre es Manel…

POR CIERTO...

2011-04-06T05:00:00.001-07:00

Por cierto. Tu entrada sobre el gran Brassens, un tipo curioso, capaz de pasar gran perte de la guerra encerrado en el piso de uno matrimonio amigo y quedarse a vivir allí, sin salir apenas, después de la liberación, me ha traído a la memoria las innumerables versiones que de sus canciones se hicieron en español.
No hay que olvidar que en lso primeros sesenta, que es cuando se tuvo aquí noticia de la música del genial Brassens, el idioma que se estudiaba en el bachiller era el francés y que, salvo para quienes emigraban a América o Alemania, el extranjero apenas iba más allá de París, y, por tanto, las bocanadas de libertad que permitían "ir tirando a los españoles", vanían casi siempre de Francia.
No debe extrañar por tanto que se versionase, cuando no que se plagiase descaradamente, a Brassens, Brel y tantos cantantes, si no franceses, sí en francés.
Sin ir más lejos, el propio Brassens que, en el volumen que su antología dedica a las viejas canciones firmadas por otros que Brassens interpreta con su pianista Jean Bertola, "Georges Brassens chante les chansons de sa jeneusse", se incluyan tres tesoros que son las propias versiones que Brassens grabó en español de tres de sus canciones "La mala reputación", "La pata de Juana" y "El testamento". Aquí va la más conocida, porque, entre otras cosas, la "coloqué" como sintonía de una de las tertulias de "A vivir que son dos días" en la SER

Quien quizá antes, o al menos mejor, nos metió a los españoles el veneno de Brassens en el cuerpo fue Paco Ibáñez, un impagable precursor de tantas cosas, que hizo suyas muchas de las canciones del padre de los cantautores europeos.

Y si Paco Ibáñez fue el primero, no cabe duda de que quien más empeño ha puesto en cantarnos a Brassens en español ha sido Joaquín Carbonell que, como alumno de Labordeta en su instituto de Teruel, no tenía más remedio que hacerse cantautor. Dos son, al menos, los álbumes que Carbonell ha dedicado a Brassens. Uno en estudio y otro en directo. Del primero, ahí va esta “Marquesa”.

Mira por donde, Joaquín Carbonell tuvo el auxilio de otro Joaquín, mandragoriano él, aunque no el que más brassensiano, como lo es el apellidado Sabina para esta, su, versión de “Le gorille”.

Creo recordar, y no me extrañaría, haber escuchado a Moncho Alpuente cantando este gorila. Pero fue en la noche de los tiempos, cuando se cantaba en cualquier plaza, icluso desde el altar de alguna iglesia. Peo me temo que de aquellos años, con Franco y sin móvil, difícilmente queden testimonios. Por eso me voy hacia Alicante, donde nos encontramos con Antonio Selfa que canta “picaruelo” a la inocente y solidara Margot.

Y, como dos cantan, si lo hacen bien, mejor que uno. Aquí os dejo con Selfa y Eva Denia, que ha hecho del repertorio de Brassens, en francés, el de su trío. Pero hoy vamos de Brassens en español y por eso al, les, escuchamos en su versión de “El almendro”.

AL ESTE DEL EDÉN

2011-04-06T05:00:00.000-07:00

Suponiendo que alguna vez la industria musical española hubiese sido un Edén, que lo fue, pero decadente, al este de ese Edén latió siempre un corazón tan rebelde como el del personaje James Dean en la película que dirigió Kazan basándose en la novela de Steinbeck. Y ese corazón late rebelde, no sólo en cuanto al hecho de expresarse en otra lengua, la suya, sino en las mismas formas musicales. Lo cierto es que, de un tiempo a esta parte y más allá de los restos y secuelas de un fenómeno como lo fue el de La Nova Cançó, ha surgido una forma de expresión que ni siquiera sé si es un movimiento musical, hijo quizá de las imaginativas aventuras de Jaume Sisa que acaba por superar fronteras.
Aunque, como ácrata que se precia de serlo, Albert Plá es un fruto extraño e inconstante, quizá sea quien dio el primer paso en ese camino, mezcándo lenguas, barajando música y teatro, jugando con las raíces charnegas de la música catalana. y, siempre, marcando la diferencia.

Curiosamente, en las más recientes apariciones públicas de Pla, incluido un famoso concierto en el París de Fernández, tiene un compañero de viaja, con él que parece haber sintonizado a las mil maravillas. Ese partenaire es Joan Miquel Oliver, alma del grupo mallorquín Antònia Font, capaz de imaginar historias, no por su pretendida candidez, menos inquietantes que las de Pla.

Lo de Antónia Font, el grupo matriz de Joan Miquel Oliver es algo así como el arte total. Desde el nombre, que adoptaron como homenaje a la única espectadora de su primer concierto a sus trabajadísimos clips, verdaderas obras de arte. Es como si todas las ansias creativas de los ochenta aflorasen ahora, más sabias y con más medios.

Por algo Antònia Font llena teatros incluso en la meseta y por algo en apenas década y media de existencia han cosechado premios tan importantes como el Nacional de música de Cataluña o el premio al mejor disco de pop nacional por su disco “Coser i cantar”, una especie de sinfonía que engarza lo mejor de su cosecha, envuelto todo en el celofán de una orquesta.

Oliver, con hermosos discos en solitario, está siempre dispuesto al encuentro y a la tormenta de cerebros. Ya hemos hablado de sus aventuras con Albert Pla, pero también las ha habido con quien con aquel “Qualsevol nit pot sortir el sol” inauguró la autopista por la que circulan vete tú a saber hasta dónde.

El camino ha sido largo y, sobre todo, difícil. Pero ha dado sus frutos. Hace unos años hubiese parecido impensable, especialmente desde que, tras el fin de la dictadura y en medio de las dictablandas, lo catalán dejó de tener ese halo de rebeldía que tanto se echa de menos. Pero algo ha cambiado, porque un grupo catalán que canta en catalán, Manel. Ha conseguido, en tiempos de manta y descargas, encaramarse a lo más alto de la lista de ventas nacional con un trabajo tan delicado como este “Anniversari”.

Esperemos que cunda el ejemplo y se desparrame tanta genialidad como debe haber escondida en el resto de España. Yo, como premio por haber llegado hasta el final, os regalo el “linkado” con esta otra maravilla.

GENTE DE VIAJE

2011-03-17T11:14:00.000-07:00

Moriarty no hace referencia al malvado profesor enemigo de Sherlock Holmes, sino a Dean Moriarty, el héroe de “En la carretera” de Jack Kerouac, y el grupo franco-americano se toma al pie de la letra al personaje que le inspira y ahora concluye un periplo de tres años de conciertos, viajes y colaboraciones con su segundo y nuevo disco: The Missing Room, cuyas canciones sus seguidores ya conocen porque sus cinco integrantes lo han venido interpretando durante meses en una gira de presentación y no de promoción como es lo habitual.
Los “moriarty” con la voluptuosa Rosemary Stanley como voz cantante practican un folk muy enraizado en Estados Unidos, incluso con ciertas similitudes con el de una de las musas de este blog: Natalie Merchant –una americana con nombre francés-, como se puede comprobar en el que fue su primer éxito: "Jimmy", incluido en un primer álbum de enrevesado nombre: Gee Whiz But This A Lonesome Town, aquí en versión acústica…

El grupo tiene una gran fuerza dramática en las composiciones que transmiten en unos directos sencillos pero muy emotivos…

Moriarty ha mantenido intensas colaboraciones con otros artistas como la singular cantante Emily Louzeau con quien realizaron una gira y actuaciones en directo como en la Maison de Radio France en París

Louzeau, nacida en Neuilly-sur-Seine, forma parte de la nueva generación de cantantes francesas como Olivia Ruíz o Jeanne Cherhal que colaboraron en su segundo disco: Pays sauvage formando parte del coro del “mujeres barbudas” en alusión a uno de los temas del álbum y cuya canción estrella es este “Sister”…

Pero volviendo a Moriarty, también han realizado un curioso disco,The Lost Scenes of Puss n’ Boots, en el que hacen versiones de temas, ya sean clásicos como “El coro de los esclavos” de Verdi o de comedias musicales como “I feel pretty” de West Side Story. Es divertido.
En el nuevo trabajo –que no sale a la venta hasta abril pero que ya podéis descargaros legalmente en Spotify, por ejemplo- hay grandes canciones como este “Isabella”…

…y cómo se que sabe a poco, aquí va otro tema muy interesante, también a pelo: “Decaf”…

POR CIERTO...

2011-03-14T04:54:00.000-07:00

…se cumplen 30 años de la muerte de un adicto al humo que, a su vez, crea adicción. A diferencia de Gainsbourg, George Brassens fumaba en pipa que siempre aporta una imagen de pose reflexiva. Uno y otro, sin embargo, tenían el gusto por la melodía, el amor por la palabra precisa y eran adictos a la vida, cada uno a su manera… Ahora también comparten a Joann Sfar: el dibujante que ha dirigido la sorprendente película “Gainsbourg: vida heroica” y que ahora ha diseñado la exposición que la Cité de la Musique de París dedica al “libertario y bon vivant” que fue Brassens.
Lejos de mi espíritu hacer la glosa de uno de los más grandes cantautores franceses de todos los tiempos y persona con una vida singular y apasionante, pero si quería aprovechar para recordar algunas de sus canciones. Por supuesto, “La mala reputación” que en España popularizara Paco Ibáñez y que alimentó mi espíritu rebelde en los últimos años del franquismo…

Alumnos aventajados de Brassens en España son, sin duda, el trío de La Mandrágora y, en especial, el inclasificable Javier Krahe

Para mi Brassens es el gusto por contar historias a contracorriente, tiernas con finales sorprendentes…

Y una filosofía de la vida que cada vez tiene menos cabida en la época en la que vivimos tan llena de cons…

POR CIERTO...

2011-02-25T02:46:00.000-08:00

Qué (sana) envidia me das por poder tocar la guitarra, aunque sólo sea para acompañar. A mí que nunca pude pasar de puntear el romance an´nimo de "Juegos prohibidos" con la guitarra familiar, me queda el consuelo, a lo peor sólo es sugestión,de saber distinguir un buen guitarrista, y Eric McFadden lo es, de otro que no. También a un guitarrista sincero de un frío imitador. Por eso, tu entrada dedicada a McFadden me viene "de perlas" para presentarte a un tipo, Miguel Ariza, para mí siempre será "Miguelón", al que conocí como becario en la discoteca de la SER y que, además de llevar mucha música en el "coco", es un magnífico guitarrista que, entre partido y partido de baloncesto, escuchaba y tocaba al gran Hendrix, maestro entre maestros de la guitarra.

Como habrás podido comprobar, pese a la escasa calidad del clip y si has tenido paciencia para llegar al “solo”, Miguel es un magnífico guitarrista que, con su guitarra y su grupo de nombre tan “hendrixiano”, demuestra que hay mucha música entre sus dedos que, cada vez mejor, el clip tiene ya una edad, va fluyendo hasta nuestros oídos. Imagínatelo con más medios.

Como un diamante en bruto como ese no podía estar ahí, perdido en la orilla de un río, un tipo que lleva muchos años en esto de la música, más que en la tele, como El Gran Wyoming escuchó un día a Miguel y su Última Experiencia y los quiso para sí. Ahora son su banda para esos momentos en que quiere recordar viejos tiempos. De nuevo hay que pedir perdón por el clip. Pero es lo que hay.
Como todos los que empiezan, se auto editan sus discos. De lo que han “parido” hasta ahora, su canción “Madrid” es la que quizá ha alcanzado más difusión.
Cuando escribo esto sé que andan encerrados en el estudio, granado nuevos temas, después de haber sufrido una profunda transformación, en la que lo acústico gana terreno, Así sonaba ese “Madrid” en la radio que se inventó Joaquín Guzmán cuando le “sacaron” de Radio 80.

FUMANDO ESPERO

2011-02-22T02:35:00.000-08:00

A nadie se le escapa que las adicciones han sido y serán magníficas fuentes de inspiración para los creadores, también en la música. De todas ellas, me atrevería a afirmar que la que más música ha inspirado es la que nos ata a la persona amada, especialmente si no nos corresponde. Luego vendrían las que nos hacen esclavos de paraísos artificiales y placeres que, esas, nunca nos corresponden. Ahí es donde se sitúan el alcohol y el resto de drogas, incluido el tabaco. Pues bien, este último no sé si ha inspirado muchas, pero sí, desde luego, muy buenas canciones.
Atreverme a hacer un inventario exhaustivo de todas esas canciones sería tan atrevido como inútil. Por eso, me limitaré a compartir con vosotros mis preferidas. Y, para empezar, qué mejor que una de la canadiense K D Lang que dedicó todo un álbum,"Drag", como rebeldía contra las restricciones al tabaco en Norteamérica, hace ya unos años. La canción, "Three cigarettes in a an ashtray", popularizada por su idolatrada Patsy Cline ha formado siempre.

Está claro que no todo lo que se ha escrito en torno al tabaco ha sido tan nostálgico como esta canción. Otras ha habido como ésta del genial Sanseverino que, especialmente ahora en que los que fuman y los que no fumamos andamos enredados en dilemas morales, nos habla de hipocresía y adormecimiento de conciencias.

El, si no más genial, sí más original y valiente de los creadores de la música francesa de las últimas décadas. El patrón con el que se mide y se compara cualquier nueva figura, Serge Gainsbourg fue un gran degustador de mujeres, alcohol y tabaco. Y, claro, eso tenía que reflejarse en su cancionero, en el que hay muestras tan curiosas como ésta, que nos habla de cómo también en eso de fumar hay clases.

Catherine Deneuve et Serge Gainsbourg Vidéo fidjie sélectionnée dans Musique

De todas las versiones la más extendida es sin duda la de The Platters. Y esa circunstancia me viene “al pelo” para comentar de qué manera el tiempo hizo justicia poética con su autor, Jerome Kern, magnífico músico, aunque un poquito racista.
La historia es ésta: cuentan que Kern se llevó a la tumba alguna de sus mejores creaciones que dejó sin publicar porque, según sus allegados, no podía soportar la idea de escucharlas deformadas, en referencia al jazz, por esas bandas de músicos negros.
No quería caldo, Mr. Kern, pues tome dos tazas.

Dicen, yo ya no me acuerdo, que, después del del café, uno de los cigarros que mejor sabe es el que se fuma en la cama, después de hacer el amor. Nina Simone no debe pensar lo mismo, porque pide cantando a su amante que no fume en la cama.

También se ha cantado al cigarrillo en italiano y creo que quien mejor lo ha hecho ha sido la inefable Ornella Vanoni, por ejemplo en “La tana degli artista”.

La lista de canciones escritas entre la niebla del humo de un cigarrillo sería infinita. Yo he dejado fuera unas cuantas decenas y cada uno puede hacer la suya. Ya, por último, he guardado para el final, como no podía ser de otro modo, el tango que da título a esta entrada, en la voz de quien lo bordó mucho antes de Sara Montiel lo vulgarizase: Libertad Lamarque.

GUITAR HERO

2011-01-31T10:42:00.000-08:00

La guitarra es algo fantástico. Casi todo el mundo puede arrancarle algunos compases que amenicen una velada, pero es un instrumento muy exigente al que es necesario dedicar una o dos horas al día para no perder habilidad y llegar a conocerla plenamente. Lo sé por experiencia: llevo años intentando pasar de la fase acompañamiento. Por eso tengo debilidad por los buenos guitarristas y más si son versátiles. Es decir que pueden atacar con las mismas garantías un rif de heavy o unas bulerías. Es el caso de Eric McFadden: un tipo de Alburquerque con pinta de pocos amigos pero que en realidad no es tan fiero como aparece en la portada de su último disco en solitario y además le encanta aliarse con otros músicos para formar diferentes grupos de la escena underground americana porque, todo hay que decirlo, Eric no parece buscar aparecer en las listas de éxitos.
Empezó con los Angry Babies, un grupo de punk-metal, pero luego ha continuado con Liar, Alien Lovestock, IZM, Holy smokes, EMT, Stockholm Syndrome, Faraway Brothers, y la Eric McFadden Experience, aunque no por este orden. Últimamente, publica con su nombre en solitario a través del sello francés Bad Reputation o con su Trío (EMT) junto al bajista James Whiton y Jeff “The Commander” Anthony a la batería...

Además, dado que es un virtuoso de la guitarra y de la mandolina y que como todo el mundo tiene que comer, ha formado parte de bandas de leyenda como Georges Clinton & Parliament/ Funkadelic o como músico en la última gira de Eric Burdon & The Animals (¡por favor!). Además ha tocado en directo o en estudio con gente como Keb Mo, Bo Didley y Living Color, entre muchos otros.

McFadden tiene un sentido del humor un tanto especial y le encanta hacer versiones de otros artistas y estrellas pero desviando y retorciendo el asunto. Es el caso de este Womanizer de Britney Sprears…

Esta faceta gamberra ha dado como resultado un disco titulado “Pull a rabitt out of his hat-Tribute Vol.2” (ojo, no he encontrado el primero) en el que hace versiones de David Bowie, Tom Waits, Creedence Clearwater Revival, Price, Rolling Stones, Leonard Cohen y hasta The Beatles.

Un ejercicio para poder concentrarse en el “blues” más sombrío de su último disco en solitario, también en Bad Reputation, titulado “Train to Salvation”, en el que se deja llevar por las polkas y los versos de Edgar Alan Poe y al que pertenece este “Where is Ferdinand?”…

Para finalizar, debo aclarar lo de las bulerías porque McFadden estuvo en España una larga temporada aprendiendo la guitarra flamenca. No he encontrado trazas de grabaciones de sus interpretaciones en este género. Lo máximo, un video en el que se hace acompañar con una guitarra española en el que habla de Jesucristo y la resurrección de los muertos -debe ser por lado voodoo que tiene el asunto-...

Wake Up Dead Man - Eric Mcfadden from brad l cooper on Vimeo.

POR CIERTO...

2011-01-26T06:50:00.000-08:00

…me ha encantado descubrir la faceta musical de ese genio del Cómic que es Robert Crumb aunque su vinculación con la música y en concreto con el blues está en el origen de una de mis “frustraciones” como coleccionista. Me explico. En un viaje por Estados Unidos, adquirí una caja de cromos ilustrada por Crumb en la que aparecían los retratos de los pioneros del blues que formaban parte del catálogo del sello Yazoo, con el que el dibujante mantiene una estrecha relación profesional. En el reverso de cada cromo, hay una pequeña reseña biográfica de estos “Heroes of the Blues”, como se les denomina en la tapa de la caja. Y lo son. Allí están los “ciegos”: Blind Willie Johnson, Blind Lemon Jefferson y Blind Willie McTell…

Rarezas como las “jugs bands”-porque había uno de sus componentes que soplaba la “garrafa” o “jarra” de whisky a modo de flauta- y alguna que otra valiente pionera como Memphis Minnie…

Y por supuesto, grandes del género como Charlie Patton, Som House, Bo Carter, Mississippi John Hurt y Big Bill Broonzy…

Así que decidí buscar en discografías, mediatecas e internet las grabaciones de los reseñados en los cromos y hacerme un CD con una selección de temas de cada uno que culminase la proeza de completar la colección. Conseguí hacerme con una discoteca y adquirir unos conocimientos de los pioneros del blues bastante interesante pero, como sucede en los álbumes de cromos de los futbolistas, siempre te falta alguno y aún estoy buscando alguna grabación de Ed Bell que complete el asunto.

Entre tanto, la editorial La Martinière publicó en Francia un libro en el que se recopilan no sólo los héroes del blues sino otras ilustraciones que Crumb ha realizado con el mismo criterio para el Jazz y el Country. La publicación: “R. Crumb. Héros du Blues, du Jazz et de la Country” viene acompañada de un CD seleccionado por el dibujante en el que huelga deciros que tampoco aparece Ed Bell. Así que recurro a la comunidad de viciosos de la música: ¡Si alguno de vosotros pudiera ayudarme! Gracias.

POR CIERTO...

2011-01-13T03:04:00.000-08:00

Por cierto, qué bueno Ben L'Oncle Soul. Es la prueba evidente, y te envidio por ello, de que, en Francia, la crecaión sigue viva y de que la diversidad cultural es el mejor caldo de cultivo para la creación.
No cabe duda de que el "Tío Soul" es bueno. Tanto como para que nada menos que la Tamla Motown haya sido la discográfica que apadrina su lanzamiento mundial.
Aquí no ha llegado más que a través de las webs y me llenó de satisfacción escuchar su música en la radio española, de la mano de un amigo común que, además de otras cosas, ha demostrado siempre que tiene buen gusto a la hora de escoger la música de su programa. Después de abrazar la fe verdadera, a nuestro amigo ya sólo le falta emprender la cruzada evangelizadora, poniendo nombres y apellidos a la buena música que programa.
Pero hablábamos del jovencísimo Tío Soul y aprovecho para defender esta música que ahora vuelve y que tiene un grave inconveniente para quien la escucha: después de oírla con una cierta asiduidad, se afina tanto el oído que ya no cuela casi ninguna otra.
Sin embargo, el soul no ha tenido, al menos en España, la suerte que merece, Y eso a pesar de que hemos contado con buenos intérpretes. Por ejempo, Canarios, uno de los mejores grupos de tedos los tiempos, con un Teddy Bautista insuperable como vocalista.

Hemos tenido otros muchos ejemplos, alguno relativamente reciente, que, sin embargo, no han tenido el apoyo que merecían de las discográficas. Uno de ellos era "una muchachita de Valladolid" que, acompañada de su "extraña familia" se hacía llamar Greta y los Garbo y versionaba así "The happening" de Diana Ross & The Supremes

Ahora vuelve el soul y el ejemplo más claro lo fue Amy Winehouse que, al margen de enfermedades y excentricidades, era, y espero que lo siga sienso, única.
No debe opinar lo mismo la italiana Nina Zilli - o quienes administran su carrera- que, después de un éxitoso debut que llevó su "50mila" a la banda sonora de un video juego y que, después de haber estudiado canto y haber vivido en los Estados Unidos, pretende concertirse, de la mano de la MTV, el Festival de San Remo y la Sony en un clon de la pobre Amy.

Tengo otro por ciero, dedicado esta vez a tu diva escondida, esa que, como en "Cantando bajo la lluvia", prestaba su voz a las estrellas de Hollywood. La protagonista de este segundo "por cierto" se llamaba Hadad Brooks y, después de ser durante muchos años, con su piano, una estrella del boogie, se dedicó durante un tiempo, no a doblar, sino a enseñar a cantar a las estrellas. Hadda sonaba así de bien, incluso un año de su muerte y con humos para quejarse de que el vaso que habían puesto junto al piano contuviese sólo agua. Genio y figura...

UN GATO Y UN BANJO

2011-01-12T03:35:00.000-08:00

No todo el mundo sabe que Robert Crumb, el padre del gato Fritz, el gato más golfo de cuantos ha dado el cómic, y mira que los ha dado, tiene en la música una de sus grandes pasiones. Una pasión que Crumb, sin la parafernalia que rodea a Woody Allen y su clarinete, lleva décadas alimentando en conciertos y en discos.

Crumb, hijo de un militar creció en una familia conservadora y católica, lo que, de alguna manera le ayudaría a ser quien ha llegado a ser. La rigidez de los principios familiares le llevaría a situarse justo en el lado opuesto, mientras que la disciplina cuartelera que le impuso su hermano mayor, que le obligaba a dibujar incansablemente, le dio la técnica y el oficio que le permitirían ganarse la vida de aquella manera y para los restos.

Crumb, nacido en Filadelfia -hay una hermosa canción que dice con sorna que los lápices viene de Pensilvania- se pasó parte de su juventud dibujando esas horribles tarjetas de felicitación que venden en los VIP, hasta que decidió emigrar a San Francisco para sumergirse en el todavía balbuceante underground.

Fue allí donde, repitiendo experiencias de su infancia y adolescencia comenzó a dibujar fanzines y donde, en 1968, nació su Zap Comix, considerada el acta fundacional del cómic underground mundial. En los años siguientes, amén de dar cobijo en sus páginas a nuevos creadores y "trajo al mundo" a alguno de sus personajes más famosos, entre ellos Mr. Natural y el Gato Fritz, tan enemigos del adocenamiento social como la sociedad lo acabará siendo de ellos.

En los años siguientes, quizá a su pesar, él y sus personajes alcanzaron popularidad, hasta el punto de que Fritz llegó a las pantallas de cine, convirtiéndose en el protagonista de la primera película de dibujos animados clasificada X.

Pero todo cansa y más a quien, como Crumb, es dueño de una personalidad atormentada y de una timidez de proporciones bíblicas.

Quizá por eso decidió matar a Fritz y lo hizo de la forma más sofisticada que se le ocurrió: le mató una mujer avestruz, destrozándole el cráneo con el pico. Antes había dejado alguna obra maestra, como la portada del álbum de Janis Joplin y The Holding Company, digna de compararse con algún trabajo paralelo de Andy Warhol. También había rechazado encargos similares, nada menos que de sus satánicas majestades los Rolling Stones. Pero, como digo, todo aquel bullicio pesaba mucho en él y decidió irse a vivir con su segunda esposa a una apartada granja.

Pero lo que ha traído a este blog a Robert Crumb no son sus personajes, sino él mismo, en su faceta más musical, porque, aunque no tan conocida como su faceta como dibujante, sí es verdad que, al banjo o a la mandolina siempre ha formado parte de grupos que se mueven entre el rag time y el folk, cuando no en la más rancia tradición de la "vals musette". Es el caso de sus colaboraciones con "Les Primitifs du futur", para los que no sólo ha tocado el banjo, sino que, además, ha dibujado y dibuja las portedas. Fue precisamente por una de esas portadas como llegué a ellos.

Les Primitifs du futur, ahora que Crub ha dejado Francia han seguido con su intersenate y decadente sonido. También lo ha hecho Crumb, que últimamente aparece con la East River String Band. Por si hay dudas, el padre del Gato Fritz es el tímido personaje que toca la mandolina debajo de una gorra y detrás de su barba

Sin embargo, el verdadero grupo de Crumb son los Cheap Suit Serenaders, con los que ha grabado varios álbumes, muy centrados en el rag, con los que comenzó a tocar durante sus años de retiro en los Estados Unidos, alla a mediados de los ochenta. y que suenan así.

Y así en uno de sus álbumes más difundidos, en el que Crumb ha retratado a sus compañeros y a sí msmo, claro, con su banjo.

Y, como parece que lo último que querría Crumb en este mundo sería dejar de sorprendernos, hace dos años dio la campanada, metafóricamente hablando, de atreverse nada menos que con la Biblia, ilustrando el Génesis.
Conocuendo el amor de Crumb por la libertad, era lógico esperar el rechazo y su visión de la Biblia ha sido acusada de ser demasiado explícita en el sexo y demasiado volente, como si la propia Biblia no lo fuese. Y menos mal queel guióin no era suyo.

EL TIO DEL SOUL

2010-12-20T10:55:00.000-08:00

Teníamos al "padrino del soul": James Brown. En los principios de este blog hablamos del "ahijado del soul": Black Joe Lewis, y ahora nos llega el tío: Ben l'oncle Soul, que, a diferencia de los otros dos, no es americano sino francés, de Tours para más señas. Un tipo joven -nació en el 84- y divertido que va camino de ser el artista revelación del año 2010 con un album en el que se incluyen varias versiones como este "Seven Nation Army" que los White Stripes popularizaron en 2004...

CLIP "Seven Nation Army" - Ben l'oncle Soul
envoyé par Ben-Officiel. - Regardez d'autres vidéos de musique.

El chico tiene una apariencia muy cuidada y el espectáculo está concebido de manera muy profesional, pero me resisto a creer que todo se debe a la mercadotecnia. Benjamin Duterde -su verdadero nombre- se curtió en un grupo de Godspel y desde hace seis años anda con su banda ofreciendo conciertos en bares y discotecas. Creo que hay un verdadero talento como se puede apreciar en esta prestación en directo con una interpretación muy personal y en francés de lo que es un "soul man"...

http://www.dailymotion.com/video/xcp7lx_ben-maroquinerie-soulman_music
envoyé par Ben-Officiel. - Clip, interview et concert.

Una autética gozada ¿no? Hay que aprovechar que aún no está muy maleado y es capaz de marcarse esta versión acustica en le metro de París del clásico de Marvin Gaye...

Ben l'Oncle Soul -es un chiste en referencia al arroz Uncle Ben- tiene tanta personalidad y desparpajo que hasta se come al rapero Beat Assalliant en su propio video lujosamente producido...

Esta es mi última aportación de este año. ¡Felices Fiestas! y que 2011 sea tan "soul" como termina.

POR CIERTO...

2010-12-16T00:55:00.000-08:00

…las divas también me subyugan. Estos días colecciono una serie de grabaciones de óperas interpretadas por la Callas –una de las pocas voces que me hace llorar cuando canta el Casta Diva- y, por casualidad, he descubierto a la que llamaban “la voz fantasma de Hollywood”: Marnie Nixon.
Esta mujer que ha cumplido este año los 80 es una auténtica institución en Estados Unidos y creo que una gran desconocida en países como España. Y por tanto, su voz era la única que escapaba al doblaje en castellano de algunos de los musicales más famosos de la historia del cine. Marnie Nixon, como los especialistas que sustituyen a los actores en las escenas más arriesgadas o difíciles, era cantante de doblaje. Es decir, su voz sustituía a la de aquellas actrices cuyos registros no llegaban a los tonos que exigía la partitura.Un "tarea" que sirvió de argumento a un gran musical como "Cantando bajo la lluvia"...

Singin' in the rain - Lina Lamont
envoyé par lilotink. - Futurs lauréats du Sundance.

Nixon puso voz a los ángeles que hablaban a Ingrid Bergman en su papel de Juana de Arco e, incluso, dobló a Marilyn Monroe en el inicio de "Los diamantes son los mejores amigos de las mujeres" de la película "Los hombres las prefieren rubias". Sin embargo, sus tres participaciones más importantes fueron doblar a Deborah Kerr en el “Rey y yo”; a Natalie Wood en “West Side Story” y a Audrey Hepburn en “My Fair Lady”, como ella explica en esta agradable entrevista…

Nixon inició su carrera en la ópera clásica con un amplio repertorio que incluye la Violeta de La Traviatta o la Susanna de Las Bodas de Figaro. En la siguiente grabación figura como solista en uno de los conciertos divulgativos para jóvenes que realizaba el gran Leonard Berstein en la televisión estadounidense...

Pese a sus doblajes y a tener un físico parecido al de Julie Andrews -con la que se cruza en la película Sonrisas y Lágrimas-, Nixon no interviene en Brodway hasta la edad madura en la que encarna a la madre del profesor Higgins en una versión de My Fair Lady o a la madre de Guido en una reposición de Nine.

POR CIERTO...

2010-11-30T23:21:00.000-08:00

Por cierto... Ya conocía a Esperanza Spalding. Y es realmente interesante. Sobre todo porque, a su juventud, suma una enorme técnica y buen gusto. Lo lastimoso es que Esperanza haya dado el salto a los mercados, escapando de la órbita del jazz por lo peculiar de la combinazión, mujer, voz y contrabajo.

Y es que no es habitual que las "chicas" toquen el bajo y, además, canten. En tiempos, eran famosas las "orquestas de señoritas", en las que las chicas tocaban todos los instrumentos. Ahí está ese inolvidable Jack Lemmon travestido de chica con bajo en "Con faldas y a lo loco", arrastrando su instrumento y su pánico por andenes y vagones, camino de Florida.

No sé por qué no es habitual ver mujeres contrabajistas. Quizá porque, para tocar el contrabajo, hay que adoptar una postura que recuerda a la de un caballero abrazando a una matrona, algo que vino a solucionar la crecaión del bajo eléctrico, momento a partir del cual la cosa cambió y comenzaron a aflorar sobre los escenarios chicas bajistas como, por ejemplo, Tina Weymouth de los Talking Heads.

La verdad es que, para bien, ya nada es igual y ahora "las señoritas" pueden tocar otros instrumentos más allá del violin o el piano. Ahí tenéis a Lisa Simpson y su saxo. También el contrabajo o "double bass", como se denomina en inglés, que ya empieza a estar en manos de virtuosas señoritas, virtuosas en el sentido musical del término, que el otro ni me importa ni me debe importar para abrir las orejas.
Una de ellas es Amy Lavere, a caballo entre el folk y el folk-rock, a la que descubrí en aquel disco destinado a recaudar fondos para la restauración del Preservation Hall de Nueva Orleans, del que ya hablamos en "Hernández y Fernández", y que suena así de bien haciendo folk.

Y así de biuen, cuando se desliza por el tobogán del rockabilly

LA DIVA VALIENTE

2010-11-30T23:19:00.000-08:00

Adoro a esta mujer. No sé muy bien si es por su belleza serena, si es por su registro de mezzo soprano o si es por la facilidad y elegancia con qwue se mueve en proyectos resbaladizos para otras. Pero el caso es que esta "diva valiente" se muestra con la misma elegancia cantando junto a Elvis Costello, interprentando a Kurt Weill, rescatando, para que no cayese en el olvido, la música que se compuso en medio de los horrores del campo de Theresienstadt, o cantando junto al pianista de jazz Btad Mehldau esa colección de hermosas canciones recogidas en el doble álbum conjunto "Love Songs"

La delicadeza con que cantante y poanista abordan temas tan conocidos como el "Blackbird" de The Beatles, "Los molinos de tu espíriti" de la BSO de la película "El caso de Thomas Crown" o esa maravilla que es "La chanson de Maxence", escrita por Michel Legrand para la película "Les demoiselles de Rochefort".
No ha sido este "Love Songs" la primera colaboración de esta "diva valiente" con habitantes de otrs mundos musicales. Ya hace unos años grabó con Elvis Costello "For the stars", una obra de arte en la que se mezclan desde versiones de canciones de Tom Waits a temas como esta "Green Song"
cargada de aromas y evocaciones de Irlanda.

Olvidaba a la hora de enumerar las causa por las que adoro a esta mujer la que es quizá la más importante: la adoro, porque se interna por los senderos musicales que a mí también me gusta recorrer. Por ejemplo, la obra de uno de los genios musicales del Siglo XX: Kurt Weill, al que dedicó su álbum "Speak Low" que incluye este "I'm a stranger here myself", de la fecunda y útima etapa neoyorkina del genio alemán.

Y, para el final, he dejado la que quizá ha sido la apuesta más arriesgada de esta diva valiente nacida en Suecia. Un proyecto en el que puso su dinero, su trabajo y, sobre todo, su prestigio. Me refiero al desgarrador álbum Terezín / Theresienstadt, en el que, junto a su pienista Bengt Forsberg y al cantante Christian Gerhaher, recogió la música compuesta e interpretada por los judíos internados en el campo de Theresienstadt, en Checoslovaquia, un escaparate con el que la Cruz Roja se dejó engañar tanto tiempo, mientras millones de seres humanos eran empujados hacia el exterminio. El álbum, que mereció una nominación a los Grammy en 2008, es, a la vez, tan hermoso y estremecedor, como esta canción de una de las internas, Ilse Weber, que interpreta nuestra diva valiente.

POR CIERTO...

2010-11-17T11:03:00.000-08:00

...magnífico repaso a una de las grandes músicas ibéricas, enterrada injustamente -como bien dices- por la necesaria ruptura que implica cualquier proceso democrático tras una dictadura. Nos pasó con la copla -que era la "música nacional"- y pasó con el fado. Ambas eran músicas paralelas antes de que el "nacionalismo" de ambas dictaduras se empeñara en levantar antiguas disputas entre unos pueblos que siempren se han comunicado. Lo digo porque me hizo gracia saber que en la famosa filmación en la que se atribuye a la Piquer el haber sido la primera voz cantante del cine mudo, interpreta un fado. Y hace unos días, que tuve la oportunidad de asistir al concierto de la gran Martirio en París, uno de los temas más bonitos fue su versión del "Maria la portuguesa" de Carlos Cano, en el que se funden ambos géneros...

Es cierto, en cualquier caso, que la asimetría del fado y la copla ha continuado. El fado, como queda demostrado de manera palmaria en tu comentario, ha evolucionado hacia una forma de expresión más moderna y abierta al mundo, mientras que la copla -a pesar de encomiables aportaciones de los mencionados Cano y Martirio, entre otros-sigue lastrada por un exceso de floclorismo. La copla, que tan bien glosó Vazquez Montalbán, tiene pendiente su "revolución de los claveles".
Pero volvamos a las nuevas voces. Magnífica la de Asa, a la que estos días se opone por cuestiones comerciales -la Navidad ya ha llegado a París- otra joven voz: Yael Naim. Israelita instalada en París, presenta su segundo disco: "She was a boy", compuesto a medias con David Donatien como el primero. Y como aquel, la voz limpida de esta artista es tan agradable que parece un perfume que te envuelve. A disfrutarlo...

Clip "Go to the River" de Yael Naim
envoyé par totoutard. - Clip, interview et concert.

HOPE

2010-11-14T10:38:00.000-08:00

No se puede vivir sin ella, máxime si se tiene como nombre de pila. Esta bella joven nacida en Portland (Oregon) hace 26 años es una de las más brillantes y prometedoras estrellas del jazz. Ella misma reivindica que su música trasciende ese género –aunque no reniegue de los Ron Carter y de su ídolo Wayne Shorter- y se ofrece generosa en los temas de bossa nova e investiga sonoridades relacionadas con el "nu soul" y el hip-hop. Dicen los que la conocen que le gustaría que sus discos estuvieran archivados junto a Beyoncè más que al lado de Mingus.
Esperanza Spalding es una gran bajista de voz penetrante. Precoz, empezó con el violín clásico a los 6 años, a los 14 se paso al contrabajo, a los 15 descubrió el jazz y un año más tarde ingresaba en el Berklee College of music de Boston. A los 20, ya era profesora de la prestigiosa escuela de música y prestaba su colaboración como músico de estudio. Patti Austin, Pat Metheny, Herbie Hancock o Joe Lovano son algunos de los artistas con los que ha colaborado. Con este último la vemos en la formación con la que actuó en el Village Vanguard de Nueva York en 2008…

El salto discográfico con su nombre lo dio en 2006 con “Junjo”, editado por el sello español Ayva Música, de claras influencias latinas y en formación de trío con el pianista cubano Aruan Ortiz y el batería Francisco Mela. En él hay temas propios y versiones de Chick Corea y Egberto Gismonti. Pero es con “Esperanza”, firmado dos años más tarde y de claras influencias brasileñas, cuando consigue un mayor éxito gracias a temas como este “I know you know”…

Pero la relevancia internacional la ha obtenido al ser invitada por el Presidente Obama a tocar en la Casa Blanca con motivo del Premio Nobel de la Paz y antes, donde acompañó al impresionante Tony Bennet…

Lejos de dejarse adormecer por los laureles presidenciales, su nuevo trabajo: “Chamber Music Society”, está grabado con un cuarteto de cuerda y no ofrece concesiones al oyente. Es agradable, pero no fácil. Además del “Inutil paisagem” de Jobim, está este “Apple Blossom” que en esta lírica versión carece de la aportación de Milton Nascimento…

Estos días, se encuentra de gira por España y no dudaría en acudir a verla si hay oportunidad.

POR CIERTO...

2010-11-03T04:51:00.000-07:00

No es una voz nueva, al menos tan nueva, pero sí lo es para mí. Nada sabía de ella, hasta que, picoteando en iTunes pinche su nuevo disco, "Beautiful imperfection", y me quedé colgado con su soul acústico y dulce. Se llama Asa y es nigeriana, aunque nació en París. Creo que merece la pena escucharla.

La historia de Asa, nacida Bukola Elemide en 1982, recuerda un poco al cuento del "patito feo". Única chica entre varios hermanos de una familia nigeriana acomodada, estuvo internada en un exclusivo colegio y fue a su regreso a casa cuando descubrió la música y se dispuso a seguir los pasos de sus ídolos: Angelique Kidjo, Femi Kuti, Lauryn Hill, etc.. Pero como no siempre los deseos coinciden con la realidad, a esa etapa de éxtasis musical le siguió el tiempo gris y frstrante de la universidad, con huelgas y decepciones, entre otras la de ser rechazada para el coro, una de sus mayores ilusiones. Así que tuvo que resignarse a cantar en la soledad de su habitación.
A Asha le ocurrió como a tantas voces de nuestra dura posguerra que encontraron su oportunidad en un concurso de la radio, en el que obtuvo su primer reconocimiento, ese que le dio fuerzas suficientes para matricularse en secreto en una prestigiosa escuela de músiuca. Allí consiguió dominar la guitarra en apenas seis meses. Eso y, naturalmente, los discos que había por casa, clásicos del soul y de la música africana, conformaron su estilo. Este maravilloso estilo.

La verdad es que, de vez en cuando, aunque muy de vez en cuando, encuentras voces y maneras que te ayudan a reconciliarte con esa maravillosa forma de expresión que es la música- Sin duda Asa nos brinda una de esas oportunidades.

TAN CERCA, TAN LEJOS

2010-11-03T04:50:00.000-07:00

¿Recuerdas, Fernández, aquel slogan de la Oficina de Turismo de Portugal o cómo se llamase entonces? Fue a los pocos meses de aquel 25 de abril y, con él, nos dejaban claro lo cerca que estaba Portugal de nosotros, si hablamos en kilómetros, y lo lejos que estaba, y siguen estando las almas de dos países que se dicen hermanos.
Fueron muchos los que viajaron en aquellos expresos que cogías de noche en una dictadura y te dejaban a la mañana siguiente en medio de una revolución. Volvían cargados de libros, pósters y discos, ocultos entre la ropa sucia de sus maletas, pero entre aquellos discos había mucho cantautor y poco fado.
¿Y eso por qué? Pues está bien claro. El fado, como la copla, había estado y estaba aún entonces demasiado asociado a las dictadura. Tanto es así que a la pobre Amalia Rodrigues le amargaron sus últimos años, a pesar de que Amalia, como tantos otros artistas e intelectuales porqugueses, había colaborado con su dinero en el sostenimiento de los partidos en la clandestinidad.

Afortunadamente, con la revolución asentada, o frustrada, quién lo sabe, los jóvenes comenzaron a desmpolvar los viejos discos de Amalia y otras figuras del fado, en los que había, sobre todo y como en el tango o en la copla, una magnífica poesía. Le pasó a Mariza, a la que no hace falta presentar, pero tambián a Cristina Branco, que despertó al fado en sus años en Holanda.

En España, y en Japón, el camino al fado lo abrió una mujer con sangre catalana, peculiar, sofisticada y esquiva, que hizo el camino al fado desde el pop y que, aunque algo irregular, ha logrado momentos sublimes como éste.

Al margen de Mariza, Cristina Branco y Misia, personalmente siento debilidad por una mujer bellísima. Ana Moura, que, sin abandonar la tradición, ha sabido acercar el fado a los oídos más jóvenes.

Como curiosidad, aquí va este "Vaga no azul", en el que Ana Moura se deja acompañar por un viejo conocido, el bilbaíno Patxi Andión, que canta en español alguno de los versos del fado.

Otra voz con mucha personalidad del nuevo fado portugués es Mafalda Arnauth que une a su magnífica voz y su gusto excelente el hecho de que compone muchos de sus últimos temas. Por ejemplo éste.

Comencé querido Fernández hablando de aquellos años de la revolución, por eso quiero cerrar este episodio de nuestro blog con el homenaje que Cristina Branco hizo al tan llorado José Afonso, vesrionando con una delicadeza extrema una de sus mejores canciones, escrita en la soledad de una celda en tiempos más tenebrosos y que, para mí, es una de sus emjores canciones "Era um redondo vocabulo".

POR CIERTO...

2010-10-10T06:25:00.000-07:00

... a ti te tocó con Labordeta y a mí con Solomon Burke. Tengo que rendir homenaje aquí al "Peret" del Soul. Le pongo el nombre del rumbero catalán porque Burke también optó por recogerse espiritualmente y convertirse en "predicador" evangelista para volver más fuerte con su arte. ¡Sirva este primer comentario como homenaje a Solomon!... y a Peret

Dicho esto, tengo que reconocer que lloré cuando escuché en este blog el "Extremadura" por martinetes de Pablo Guerreo. Siendo un proyecto de periodista, le fui a visitar con mi amigo Juan Enrique -entonces formábamos un dúo musical que se llamaba Tuero: pedazo de tronco de árbol que sirve para la leña del fuego, en castúo- y nos atendió con la sencillez que sólo caracteriza a las personas generosas y por tanto grandes, inmensas. Guerrero es un poeta que viene de la misma región que mi madre: la Siberia extremeña, en la que yo he tenido la suerte de pasar parte de mi vida. El nombre de su pueblo: Helechosa de los Montes, durante un tiempo se llamó Helechosa del Caudillo. Y eso debe ser algo que toca los huevos.
Una vez instalado en Madrid, supo aprehender la esencia del castizo en este "Pepe Rodríguez", que siempre recuerdo cuando bajo Arco de Cuchilleros...

Las buenas canciones nunca pasan de moda y tampoco los artistas. Ahora vienen reediciones de David Bowie y John Lennon. La obra de este último sigue siendo magnífica, no te suena vieja, antigua o pasada de moda. Incluso su caracter reivindicativo sigue estando de actualidad para vergüenza de la Humanidad...

También hay veteranos que se reiventan. Es el caso de Robert Plant que en su último disco se hace acompañar de "The Band of Joy": el nombre del grupo en el que militaba antes de fichar por Led Zeppelin. Un guiño al pasado y un requiebro al presente porque Plant se reiventa como cantante de todo el repertorio de Americana...

NUEVAS VOCES

2010-10-08T07:12:00.000-07:00

Lo bueno que tiene la música es que siempre hay gente con ganas de ofrecer algo nuevo o, al menos, que parezca nuevo. Esto último no es un comentario despectivo hacia las nuevas voces que surgen cada día. Al contrario, yo soy de los que piensan que cada individuo es único y que, por tanto, todo lo que hace es diferente. Tampoco es una vergüenza reivindicar a través de lo que haces tus referentes ya sean literarios, musicales o filiales. Es lo que tiene el postmodernismo. Vivimos en una época en la que las ideas parecen agotadas y volvemos al pasado para, como en un supermercado, coger lo que nos interesa. El otro día escuché en la radio francesa una versión R&B del tema principal de la comedia musical “El violista en el tejado” que me dejó estupefacto ¡Por lo malo!
No es el caso de la artista que quiero presentaros: Madjo. Es una joven francesa de orígenes africanos –su padre es de Senegal- que toma el nombre de los propietarios de la casa donde se crió: Madeleine et Joseph. En su primer disco a mi me recuerda a Feist pero ella se reivindica como seguidora de Joni Mitchell –como no podía ser de otra manera-, Rickie Lee Jones –por supuesto- y Fiona Apple –le hago la oooola-. A sus 27 años, es de su época y también se ve reflejada en TV On The Radio. Nadie es perfecto. Pero la canción que le está lanzando al estrellato “El Nido de las 100 preocupaciones” es una auténtica gozada. Tenemos la versión oficial…

…y la versión en directo…

Madjo no le hace ascos al inglés y tiene temas tan intimistas como este “Where did you sleep last night?”, que más parece un reproche del padre preocupado por dónde ha estado su hija adolescente que el de un amante…

Pero lo que me parece más alucinante es la puesta en escena del directo, donde está acompañada de colegas que se divierten y divierten. Nada desdeñable en estos sombríos tiempos que nos ha tocado vivir…

Hay otras voces que ya llevan tiempo pero que siguen siendo tan nuevas que sociedades tan conservadoras como la francesa no tienen otro remedio que rendirse a ellas. Es el caso de Philippe Katherine. Un ovni en la chançon. Un provocador que en su último disco es capaz de titular una canción "Bla, bla, bla..." para referirse al discurso ambiente. Se llama como el guitarrista de jazz, pero no tiene nada que ver. Os dejo descubrirlo por vosotros mismos.

POR CIERTO...

2010-10-01T04:48:00.000-07:00

Por cierto, querido Fernández, mi ausencia ha sido más larga y quiza menos justificable que la tuya, Pero aquí estoy de nuevo. Se me juntaron asuntos domésticos -reformas incluidas- que sólo tú y Mariés sabéis lo duros que son, con otras incidencias médicas, nada que deba preocuparte. Pero el caso es que ya estoy aquí de nuevo.
Me gustó tu entrada sobre Dave Holland y Pepe Habichuela. Yo ya había comprado el disco que me parece de lo más digno que se ha hecho en cuanto al mestizaje entre flamenco y jazz. Pepe se lo merece, porque son ya muchos años de ciencia musical, siempre con los mejores. Yo le conocí cuando acompañaba a Morente, allá a finales de los setenta, cuando grabaron aquel soberbio homenaje a Don Antonio Chacón. Ya por entonces era un tipo cllado, pero, sobre todo, listo y magnífico guitarrista como su hermano.
Sin embargo, no es de Pepe de quien quiero hablarte, sino, ahora que se nos ha ido el más digno de ellos, de alguno de nuestros "viejos" cantautores, a los que aún no hemos correspondido como se merecen.
Me emocionó sobremanera la muerte digna y discreta de José Antonio Labordeta, un hombre bueno que supo ser generoso y justo en todo lo que hizo y que, seguramente, se hubiese puesto colorado de haber sabido la que se organizó para despedirle. Fíjate la trascendencia que tuvo este hombre grande y modesto que ahora quieren que su "Canto a la Libertad" se convierta en himno de Aragón. Sería hermoso, pero, más que eso, sería el justo reconocimiento a uno de los personajes que más ha hecho por preservar la identidad de Aragón... y de España.

Pensando en Labordeta recordé a otro de mis cantautores preferidos, Pablo Guerrero, llenas de poesía íntima y reivindicativa sus canciones. Quién no recuerda y quién no ha cantado alguna vez aquel "A cántaros" que, para muchos, inauguraba tantas esperanzas. O ese "Buscándonos" que hablaba de amor tembloroso o esa desgarrada maravilla a ritmo de martinete que es "Extremadura".

Pues bien, pensando en José Antonio y en Pablo, caí en la cuenta de que Ismael Serrano había echado su cuarto a espadas, jugándose su dinero en el disco "Hechos de nubes", un homenaje discográfico a Pablo Guerrero, más poeta ahora que cantante por culpa del tabaco. Un homenaje en el que he redescubierto muchas de sus canciones en las versiones del propio Ismael, de Javier Álvarez, de Javier Ruibal, de Serrat, de Víctor Manuel, de Luz Casal, de Luis Pastor, de Javier Bergia, de La Cabra Mecánica, de Suburbano... Pero, de todas, hay dos que me emocionan especialmente. Una es la que de "Sueños sencillos", que cierra el disco, hece el más rebelde de nuestros cantautores, Quique González.

La otra, el corte nueve, es para mí la más emocionante. Y lo es por muchas razones. Lo es porque José Antonio Labordeta ya no está, aunque sigue siendo; lo es porque quizá fue su última grabación y, sobre todo, lo es porque esta canción "de corro y de lucha" que un día escribió Pablo, suena hoy como desde el más allá en la voz de Labordeta.

Adriana no está sola

2010-10-01T03:10:00.000-07:00

Será quizá porque me introduje en el tango de la mano de Carlos Montero y su complicada (de tocar, que no de escuchar) guitarra de ocho cuerdas, pero el caso es que lo que más me gusta de un buen tango suele ser el poema que lo sustenta.

Siendo así la cosa y dada mi inclinación a las voces femeninas que suenan masculinas, no debiera extrañaros que acabase en los brazos (musicales) de Adriana Varela, a la que Roberto Goyeneche un día regaló su mejor piropo, al decir que cantaba como un hombre. Y, como veréis, al "polaco" no le faltaba razón.

Adriana Varela que, más que cantar el tango, lo interpreta, tiene como el gran "polaco" garganta de arena y eso da una personalidad especial a su presencia. Lo que siempre he echado en falta en ella es que, quizá por sus orígenes próximos al ambiente rockero, sus primeros discos, grabados para Melopea, tienen un sonido un tanto bastardo y son por eso irregulares, sobre todo en el repertorio y en los pobres arreglos. Sin embargo, también esos orúgenes son más que dignos y, para queien quiera descubrirla del todo, son imprescindibles.
No sé si ella fue realmente la pionera en este resurgimiento del tango, un resurgimiento que ha tendio más fuerza en el lado femenino que en el de ellos. Pudiera ser que haya sido el lado femenino el que nos ha llegado a España. El caso es que, hasta hace poco, en mi discoteca sólo estaban ella y alguna que otra clásica como la Rinaldi y Libertad Lamarque. Pero eso ha cambiado, porque ahora que he descubierto que Adriana no está sola y que detrás, o al lado, de ella hay más de dos y más de tres señoras que lo hacen tan bien como ella no voy a poder parar. Por ejemplo, escuchad a Liliana Barrios.

La carrera de Liliana que arrancó, discográficamente al menos, en 1995, ha sido más coherente que la de la Varela, con objetivos más definidos y confiando siempre en arreglos y acompañamientos más sólidos. Sus discos, a cual mejor, han sido, después de aquel primer "Ecos del eco de tu voz", monográficos, dedicados a la música de Aníbal Troilo, "Troliana", Carlos Gardel, "Gardeliana", y el último "Épica, el viaje de Virgilio y Homero Expósito", dedicado a esa pareja de hermanos de los que salió, por ejemplo, el "Chau, no va más".
Gracias a alguna que otra antología de tango en voces femeninas, como "Damas del Tango" o "Women of tango", he descubierto a otras importantes "señoras" del género. Por ejemplo, a Mimí Kozlowski, con principios en el París de Fernández, y con discos de edición independiente, inaccesibles para internautas de andar por casa como yo. De todos modos, se puede conocer su trabajo a través de su magnífica y frustrante, porque es imposible comprar, página web. También en este clip podemos descubrirla interpretar, por ejemplo, al gran Piazzolla, junto a tangos de nuevo cuño.

La lista de damas y no tan damas que acompañan a la Varela podía crecer hasta el infinito. De momento os sugiero algún otro nombre, sugerido a su vez por un amigo: Valeria Munárriz, María Volonté, Emma Milán, Lidia Borda o Haydée Alba. Muy recomendables todas.
¡Ah! Se me olvidaba, que me perdonen los argentinos por las obviedades y los inevitables deslices.

POR CIERTO...

2010-09-12T10:17:00.000-07:00

...qué colección de voces femeninas. Siempre has tenido un gusto especial por ellas y un ojo excelente. La reseña que hiciste me recordó a un artículo que escribí hace más de 20 años en una revista madrileña y en el que pretendía describir a una generación de cantantes a las que denominé "las hijas de Mafalda" porque sin tener el mismo tono contestatario que Joan Baez, sí reivindicaban un sitio en una industria dominada por las voces masculinas. El referente era y sigue siendo -como bien dices- Joni Mitchel y allí estaban las Suzane Vega, Eddy Brickel, Tanita Tikaran, Tracy Chapman e incluso la tejana Gail Anne Dorsey, que no ha tenido mucho éxito en solitario pero que está considerada como una gran bajista. De hecho, ha acompañado a Bowie en sus últimas giras...

Digo esto porque hay mujeres que desafortunadamente se eclipsan a pesar de su talento.(Espero que no sea el caso de Ana Serrano o Rita Calypso a la que no conocía. Ha sido una grata sorpresa y espero que . Gracias como siempre Hernández por tus hallazgos.)Lo decía por una cantante y compositora a la que considero una de mis artistas de cabecera y que, sin embargo, lleva ya varios años sin publicar nada. Se trata de Fiona Apple: joven torturada a la que debo dedicar una entrada en este blog. A modo de aperitivo propongo esta lánguida versión de "Across the Universe" de los Beatles...

A CUATRO MANOS

2010-09-05T01:24:00.000-07:00

Sirva este enunciado para recordar que este blog está escrito por dos personas con sus respectivos par de manos, aunque una de ellas, durante agosto y una parte de julio, parecía haberlas perdido. Disculpas, por tanto, a mi compañero y maestro Hernández por haber demorado la respuesta a sus dos muy atinadas entradas y que por si solas han sido capaces de llenar mi ausencia vacacional.
Sirva también para presentaros el disco que me ha acompañado durante esta pausa y que me ha sorprendido tanto por su calidad musical como por las buenas vibraciones que desprende. Se trata de "Hands" de Dave Holland y Pepe Habichuela...

Como sucediera con tantos otros -el último ejemplo lo contaba el propio Astasio en este blog al hablar de la atracción que ha ejercido el flamenco de Raimundo Amador en el tejano Howe Gelb- el bajista Dave Holland se ha dejado envolver por la familia Carmona y ha surgido una obra "flamenca" de un equilibrio casi perfecto. Además del virtuosismo de los dos solistas, a ello contribuye la coproducción de Josemi Carmona, hijo de Pepe y componente fundador de Ketama. Presente en los dos discos que revolucionaron el flamenco: "Songhai" y "Songhai II". La fusión del flamenco con otros ritmos -en aquel caso con los africanos de la kora de Toumani Diabate- nos parecen ahora naturales, pero aún recuerdo como Antonio Carmona debía justificar una y otra vez en las entrevistas que concedía en la época el nuevo rumbo que abrían para un género, el flamenco, prisionero de los puristas y de los prejuicios hacia los gitanos. Sin el paso dado por los jóvenes de la familia Carmona, no se entenderían, por ejemplo, obras de arte como el "Omega" grabado por Enrique Morente junto a Lagartija Nick...

Volviendo a Josemi Carmona, en el siguiente vídeo se le ve respaldando a la guitarra a su padre con un Dave Holland que si bien no alcanza los niveles de expresión en el contrabajo como los conseguidos por Javier Colina junto a Bebo Valdes y el Cigala, da una leción de contención y mesura...

Dave Holland -no confundir con el batería de Judast Priest- es un grande de la música de jazz que atiende a la máxima de su amigo Sam Rivers: "Tócalo todo. No te dejes nada". Desde que se diera a conocer en las formaciones de Miles Davis, no ha parado de tocar con casi to el mundo: desde Chick Corea a Betty Carter pasando por Stan Getz, Roy Haines, Pat Metheny y por supuesto sus amigos Jack DeJohnette y John Abercrombie. Este mismo año ha editado otro disco monumental en formación de octeto con una nueva generación de talentos del jaz como son los saxofonistas Antonio Hart y Chris Potter y el trombonista Robin Eubanks. Se llama "Pathways" y es una maravilla grabada en directo en el mítico club neoyorkino Birdland. Ante la falta de vídeos de tan magno evento, cuelgo el sólo que Holland hace del tema que da título al disco y que luego continúa en la compañía de Herbie Hancock, Wayne Shorter y Brian Blade...

PST DATA AL POR CIERTO...

2010-07-26T11:26:00.000-07:00

Gracias al amigo Daeddalus he caído en la cuenta de un dato que tenía y olvidé: Ana Serrano van der Laan es también la voz que se escondía detrás de la enigmática Rita Calypso que tanto gusta en Japón. Tengo los dos discos que edito Siesta. Dos álbumes magníficos para dejarse llevar y perderse bailando por los pasillos, como con este "Paper maché" de Burt Bacharach.

POR CIERTO...

2010-07-19T09:35:00.000-07:00

Por cierto, las luces y las lentejuelas unas veces dan y otras quitan.
Me explico, llevaba tiempo queriendo hablaros de una mujer a la que escuché en uno de esos directos de Radio 3, enamorándome sin remisión de su voz y de su simpatía. Tanto me gustó esa voz y esa forma de estar que abrí las orejas y me enteré de que su nombre artístico era, es, Ana Laan, aunque en los papeles figura como Ana Serrano Van der Laan. Me enteré también de que había nacido en España y de que, de niña, vivió en Noruega. Comprobé que domina el español y el inglés y que hace pinitos en noruego. Inmediatamente busqué sus discos y los encontré, dos, en iTunes. A partir de ahí no he dudado en presumir del hallazgo ante mis amigos, al igual que hago ahora con vosotros.
Paciencia con el clip, porque el sonido es un tanto modesto, pero la anécdota de la introducción es reveladora.
Realente, Ana es buena ¿O no?

Orégano, hermosa palabra, es el título de su primer disco -el segundo se llama "Chocolate y Rosas" y, entre ambos, pasaron muchas cosas. Tonto de mí, me conformé con su música y sus letras, sin preocuparme mucho más por saber quién era. Y resultó que era esa guapa mujer, alta y bella, a la que, empujando un carrito con un niño grande y rubio había visto alguna vez en los pasillos de la SER, cuando entrevistaban a Jorge Drexler. Y cuando confirmé el dato, deduje que en esta preciosa canción se hablaba de ella.

Qué lejos está esta bossa de lo que pasó tras el óscar por "Al otro lado", la canción de "Diarios de una motocicleta" y las lentejuelas. Ana había dejado de lado su carrera, sus conciertos en Libertad 8 y quién sabe donde, para cuidar a su hijo, el de Drexler, y, de repente, todo se vino abajo. La verdad es que esto que ahora os cuento no es el escándalo de cualquier programa de telebasura, sino algo más íntimo y doloroso que mereció, por ejemplo, el reproche público de Diego Manrique, un reproche que no sentó nada bien al cantautor uruguayo.
La verdad es que, como cantante y como inspiradora de canciones, prefiero a la íntima y secreta Ana, tan lejos de las portadas y la impudicia de la nueva relación de Drexler. Me quedo también, sin dudarlo, con los apasionados discos de los primeros años en España de Drexler, antes que con sus últimos trabajos y, cómo no, con esta "canción reproche" de Ana, antes que con la sofisticación hueca de Marlango.

ESAS CHICAS

2010-07-19T03:51:00.000-07:00

Hace ya tiempo que el folk dejó de ser esa música un tanto ñoña que servía lo mismo para el coro de una iglesia que para un fuego de campamento. Tras años de "himnos de batalla" o voces precisoistas, Joan Baez o Judy Collins, por ejemplo, llegaron al folk mujeres que, más allá de la belleza de sus voces o de su virtuosismo a la guitarra, tenían muchas e interesantes cosas que decir.

Afortunadamente, aquellas pioneras que se formaron en torno a la ciudad de Boston y sus festivales tienen ya relevo, qué digo relevo, relevos.
Sucesivas generaciones de cantautoras que, desde el humor más cañero a la dulce melancolía, llenan aquella brecha abierta, primero por la inefable Odetta y, a continuación, por Joan Baez o Judi Collins.
El gran salto en el vacío lo dio una mujer, Joni Mitchell, que, tras unos prncipios puristas en dúo con el marido que le dio el apellido y una hija que no quiso criar, se fue embebiendo del rock y el jazz que hacían sus "amigotes", hasta convertirse en una de las grandes autoras del último medio siglo.
Autora de gran prestigio, las canciones de Joni Mitchell se mueven a la perfección en el territorio del jazz, de la mano de sus queridos Herbie Hancock o Wayne Shorter, o en el del rock, como aquel sublime "Woodstock" de Crosby, Stills, Nash & Young o este "Big Yellow Taxi" que redescubrieron para el cine hace apenas unos años los Counting Crows.

Hay mucha música y mucha literatura en las canciones de Joni Mitchell y, de algún modo, podemos considerarla la madre de generaciones posteriores, ahora entre los cuarenta y los cincuenta, que han seguido sus pasos, recogiendo desde diferentess camposel testigo que, por cierto, aún no ha dejado.
Una de mis preferidas, digna de mejor suerte, es la preciosista Shawn Colvin, admirada y reclamada para alguno de sus discos por Mary Chapin Carpenter y capaz de momentos de belleza como éste, en el que la acompaña, con su voz y su violóín, Allison Kraus.

Con una historia durísima que arranca en Nueva Orleans y pasa por una fuga del hogar de sus padres adoptivos, una pareja italiana,, con robo del coche familiar incluido y continúa con drogas, centros de rehabilitación, y cárcel -cumplió los 18 años en prisión- Mary Gauthier destila una sensibilidad que se mete por todos los poros de la piel, hasta encogérnos el corazón. Creo que detrás de su música, hermosamente melancólica, se esconde toda la dureza de una sociedad, la norteamericana, en la que, desde hace años, no hay lugar para la misericordia.

Otra luchadora de la música, a la que descubrí casi por casualidad, es Ani DiFranco, también hija de inmigrantes italianos que, con apenas dieciséis años, ya editaba sus propias cassettes y que, quizá por eso, nunca quso entrar por el aro de las discográficas y creó la suya propia "Righteous Girl Records", algo así como "los discos de la chica que hace lo correcto", para grabar lo que quería y cuando quería y, además, a aquella gente en la que creía. Gracias a su calidad, su sello encontró pronto distrbución mundial y el que quiso pudo escuchar sus canciones sin recato ni censura. Canciones como este "Untouchable face", uno de susu primeros éxitos.

Sin exagerar, serían decenas las herederas de Joni Mitchell dignas de menció, pero hay poco espacio para ser exhaustivo y, por terminar, os dejo una "rara avis", desgraciadamenta mal o nada distribuida en España, Erin McKeown, virtuosa de varios instrumentos, gusta de pasear sus orígenes "folkies" por las fronteras del rock y,por qué no, del jazz. Aquí interpreta "Melody", dando prueba de esto último y manejando, sin desmerecer al mismísimo Les Paul, su guitarra.

EL REVERSO TENEBROSO DE CARLA

2010-06-29T10:04:00.000-07:00

El mundo de las "top-models" está lleno de mujeres fascinantes. Por sus cuerpos esculturales,por su fotogenia, por sus escándalos e, incluso, por sus otras actividades artísticas. Carla Bruni ha demostrado que se puede tener éxito cantando como un gatito susurrando, pero no es la única.
Karen Elson (Manchester, enero del 79) es una modelo que en el mundillo es conocida por el sobrenombre de "el fantasma que camina". Nada edificante, por cierto. Pero ha ha hecho de defecto virtud para hacer una canción que habla del mote y que da título a su primer trabajo: "The Ghost who walks"...

Elson es la compañera del rockero Jack White (de los White Stripes), que -como se ha podido comprobar en el anterior vídeo- vela por el producto de su chica aunque la promoción atestigua que todas las composiciones son de ella. Algunas muy interesantes como "Lunasa o "Cruel Summer"...

Con esa mezcla de country crepuscular y de neo-cabaret, me recuerda a su colega Cat Power, de quien no me resisto a dejar aquí su actuación en directo hace dos años para la cadena francesa Canal+...

POR CIERTO...

2010-06-23T02:52:00.000-07:00

...en la común búsqueda que hemos emprendido sobre los valores "ocultos" de la chanson y tras haberme sorprendido gratamente con Yves Jamait, una artista singular ha llamado a mi puerta esta mañana: un artículo en el diario `Liberation´da cuenta de la iniciativa de una cantante de llevar su repertorio a una fábrica de coches que se encuentra en el ojo del huracán siempre que hay un plan de ajuste en la compañía. Se trata de ocho mini-conciertos (unos a la hora del almuerzo) y otros a la salida para "acariciar" los corazones de los obreros. Algo parecido a lo que sigue...

La cantante en cuestión es de izquierdas y no se ajusta a los cánones estéticos que nos impone la "dictadura de la banalidad" en la que nos encontramos. Se llama Juliette: voz cantarina y verbo afilado que no olvida ni muchos menos que para hacer una buena canción hace falta una buena melodía, como confesaba en una entrevista a un programa local de televisión al poco de sacar en 2008 un nuevo disco: "Le Festin de Juliette"...

¡Deliciosa la manera de echar de menos al amante que te ha dejado por la ausencia de ronquidos a tu lado! Juliette Noureddine, admiradora de Piaff, admira jugar con las palabras y quebrar las convenciones. He aquí su gran canción: "L'Eternelle Femenin" o "Patronne"...

Y el último video "pour la route" -como dicen aquí-, este dúo con Adamo que demuestra que Juliette es mujer de cabaret...

POR CIERTO...

2010-06-15T09:15:00.000-07:00

Por cierto. Después del gran hallazgo que fue el descubrimiento de Allain Leprest, yo también he buceado en la red a la búsqueda de nuevos valores de lo que un día fue la chanson y hoy no sé cómo denominarlo.
Lo más aproximado que he encontrado ha sido Jean Guidoni, un tipo con un registro parecido al de Charles Aznavour que en 1976 estuvo a punto de representar a Francia en Eurovisión y que se encontró a si mismo años después en uns espectáculo a propósito de la poesía de Fassbinder. Aunque, a mi modo de ver, la chanson ha de ser menos pretenciosa de lo que la hacen Eric Lareine o el propio Guidoni, éste último sí se aproxima al espíritu de los versos de Prévert. Con el tiempo, Guidoni se ha ido "intelectualizando" hasta el punto de publicar hace siete años una primera novela autobiográfica: "Chanter, n'es pas jouer". También ha editado un álbum dedicado a Prévet, cuyos versos ha recitado, además, en un álbum colectivo en homenaje al poeta. Así suena Guidoni cuando se atreve con el mismísimo Trénet.

El segundo hallazgo, previo incluso al del propio Leprest es el curioso Yves Jamait, a caballo entre la chanson y el manouche, que, acompañándose del acordeón o la guitarra y con un registro de voz cercano esta vez al de Maxime Le Forestier, nos transporta a los años más gloriosos de la música francesa. Con su pinta de "apache", vestido con su inseparable gorra gorra y con tirantes, está en la lista de amigos de Allain Leprest, con el que ha compartido estudios de grabación y luces de escenarios. Nacido en Dijon, de Jamait se dice que es un poeta cercano al existencialismo que toma sus emociones de lo cotidiano.

Otro por cierto... Conocía a "The Black Keys", no así sus dos últimos discos, y coincido con tu diagnóstico. Cada vez estoy más convencido de que al igual, aunque mejor sería decir al contrario, que en el caso del flamenco y la América Hispana, el blues ha sido uno de esos "cantes de ida y vuelta" nacido en lso campos del sur de los EE UU, puesto en valor por los rockeros británicos y devuelto con fuerza a su lugar de origen, aceptado ya por la mayoría blanca.

FABER

2010-06-15T03:23:00.000-07:00

Inquieto donde los hubiese, Fabrizio de André, Faber, fue uno de los personajes más complejos de la música y la poesía italiana del pasado siglo.
Hijo de un partisano comunista y comunista el mismo, nació en 1940 en Génova, en pleno fascismo y a poco de estallar la II Guerra Mundial. Fue por eso que no disfrutó de la presencia de su padre, refugiado en asti, hasta el final de la misma.
Curisoamente, Faber, como era conocido entre sus amigos, se relacionó, siendo apenas un adolescente, con poetas, músicos y algún director de cine, personajes que, como Luigi Tenco, el cantautor que se suicido despueás de estar apunto de ganar el Festival de San Remo, tendrían una enorme trascendencia en la vida cultura y la música de los convulsos años sesenta en Italia.
Amante de la música y de la poesía, intérprete aficionado de violín en grupos de jazz, Fabrizio de André colgó sus estudios de Derecho para entregarse de lleno a sus dos pasiones: la música y la poesía, a las que, desde su rebeldía, dio alguna de sus más bellas páginas, como esta impagale "Bocca di rosa".

Seguidor, como la mayor parte de los cantautores europeos de su generación, del francés Georges Brassens, tradujo al italiano alguna de sus canciones, como "El gorila" o "Morir por las ideas". Del mismo modo, quedó cautivado por Dylan y, sobre todo, por Leonard Cohen, con el que compartió su curioso mundo de prostitutas y místicos,
Fabrizio de André vivió también enredado en todos y cada uno de los dialectos que se hablan an los pequeños rincones de Italia en que vivió Desde su Génova natal hasta la isla de Cerdeña, donde vivió algún tiempo y donde, durante semanas, estuvo secuestrado por una mafia local. El genovés, el sardo o el siciliano, son dialectos que aparecen en sus canciones, especialmente para dar voz a las víctimas de las injusticias que denuncia o para exaltar la sabiduría del pueblo llano, frente a la prepotencia del poder.
Precisamente una de sus creaciones más conocidas, incluida en la banda sonora de "El Padrino", "Don Raffae", está cantada en siciliano.

A lo largo de su vida, murió en 1999 a causa de un cáncer de pulmón, grabó numerosos álbumes, algunos escritos como un todo en torno a determinados temas. También colaboró con otros autores, entre los que destaca Francesco de Gregori, al que muchos consideran su sucesor y bautizan como "el príncipe".
Su discografía no siempre ha sido accesible desde Españae. Afortunadamente, hoy es posible, a través de Internet, acceder a ella, especialmente gracias a una exhaustiva recopilación, accesible en muchas de las tiendas virtuales.
El que puede cosiderarse su testamento musical, editado en disco y DVD, es un cuidado directo, en el que hace un repaso a lo mejor de su carrera sobre un escenario repleto de buenos músicos y buenas voces. Un concierto del que el tema "Dolcenera", mezcla de sabores a veces folk, a veces latinoamericanos y a veces africanos, es una excelente mustra.

Su muerte, en 1999, en Milán, donde fue hospitalizado después de tener que interrumpir su ultima gira, supuso una gran conmoción en toda Italia y a sus funerales asistieron miles de personas de todo el país y de todas clases sociales.
Poco después de su desaparación, el mundo de la música italiana le rindió homenaje en un concierto que ha sido publicado en disco bajo el título de "Faber, amico fragile", al que no faltó nadie, desde Gino Paoli y Ornella Vanoni, a Celentano, pasando por Zucchero. Su amiga Mina no estuvo, aunque ya había dejado testimonio de su admiración, grabando junto a él, meses antes de su muerte, la preciosa "Canzone de Marinella"

RADICALES... PERO MENOS

2010-06-07T02:20:00.000-07:00

"Todo disco de blues y de rock posterior a 1972 es vomitivo" dicen que asegura Dan Auerbach, guitarra y líder de The Black Keys. Un dúo de Ohio cuyo curriculum resumen en el siguiente vídeo...

Hay cierta radicalidad en el mero hecho de ser una formación atípica: guitarra y batería y en la afirmación inicial que sugiere un esfuerzo en guardar el tarro de las esencias. Al escucharles por la primera vez me vinieron a la cabeza otros grupos singulares como Morphine -saxo, batería, bajo- y Jon Spencer Blues Explosion, por la rugosidad de la guitarra, pero los referentes son los de Jimmy Hendrix, Led Zeppelin, T-Rex y hasta The Beatles, de los que hacen una versión del "She Said, She Said" en su primer disco "The Big Come Up": básico y directo...

Su colaboración hace dos años con el productor Danger Mouse en "Attack & Release" -en el que participó poco antes de su muerte el controvertido Ike Turner- les proporcionó una mayor singularidad y la verastilidad de mantenerse fieles al rock & blues de finales de los 60 y principios de los 70 e incorporar sonoridades propias del hip-hop o el pop. Además de influencias, ahora se codean con Beck y Ganrls Barkleys. Aquí les tenemos en el show del Buenafuente estadounidense: David Leterman...

El último disco "Brothers" está francamente bien, pero me empiezan a asaltar algunas dudas sobre el marketing que rodea al dúo: la portada parece hecha por y para subnormales y el vídeo del primer sencillo -como se decía en nuestros tiempos- es un tanto sospechoso...

¡A disfrutarlos mientras duren!

POR CIERTO...

2010-05-31T09:48:00.000-07:00

…no te lo dije porque no tenía ni idea. La Chanson francesa tiene perlas ocultas, cantantes malditos, compositores desgarrados cuyo único objetivo es crear belleza, no llegar al Olimpo de la banalidad reinante.
Prueba de ello es que intentando dar réplica a tu pregunta, me he encontrado con otra joya: Éric Lareine, que nació en Charleville como Rimbaud y es, a juicio de los críticos franceses, “uno de los secretos mejor guardados de Toulouse”. A pesar de su fecunda actividad compositora sólo cuenta con cuatro discos en su dilatada carrera: tre de ellos en los años 90. Ahora, tras un silencio de 13 años, aparece “Eric Lareine et leurs enfants”, calificado como “ovni discográfico. Inventivo y subversivo”. Prueba de ello este arriesgado tema en el que Lereine se hace acompañar por los tres músicos de jazz con los que ha grabado el disco Pascal Maupeu, Frédéric Gastard y Frédéric Cavallin, bautizados como “sus hijos”…

Lareine, que fue carpintero, pero también bailarín y actor, director de teatro y hasta animador de talleres de escritura para music-hall, es alguien que le gusta trabajar con los demás y en especial con los jóvenes como se puede ver en este reportaje con motivo de su participación en una velada organizada por una escuela de música de Toulouse el año pasado. En la entrevista final ya confiesa que está preparando un nuevo trabajo que espera sea bien acogido en el sur y centro de Francia e, incluso, en París, ironiza…
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Eric Lareine à Art'Cade - Voila
Lors de la soirée 3-4 avec l'école de musique de St Girons et Music'Hall à Toulouse l'invité d'honneur était Eric Lareine

Mots-clés : eric lareine art'cade ste croix volvestre ariege

Video de infoariege

Para terminar, un corto interpretado por Lareine que también ha compuesto la banda sonora...

POR CIERTO...

2010-05-24T12:07:00.000-07:00

Creo que no es necesario decirte que me resultaron muy interesantes tus últimas entradas. Tanto la del yidish jazz como la de los Reyes del KO, a los que tuve la oportunidad de escuchar en directo en Radio 3. Como decíamos a finales de lso 70, menos mal que nos queda Portugal, porque cómo decirte lo penosa que es la radio musical en España.
En cuanto a la Cherhal, claro que la conozco y me encanta. Sarcástica, inteligente -hizo, al igual que los Mártires del Compás, una canción dedicada a la regla, "douze fois par mois"- buena, lo mismo en directo que en esudio, magnífica compositora y pianista, divertida y, además, hija de fontanero. Quizá por esto último tituló uno de sus álbumes "L'eau", un ábum en el que estaba este "Voilà".

Volviendo a los reyes del KO, citabas a los tres reyes negros del blues y me acordé de un magnífico disco, "In session", que recuperado por Stax para el CD. En él se recoge la sesión que uno de ellos, Albert King, compartió con Stevie Ray Vaughan para la televisión canadiense. Sonaban así de bien.

Y, por si os habéis quedado con ganas de más, otra vez Stevie, ahora, no con uno, sino con dos de los tres reyes, Albert y BB, haciuendo su indispensable "The sky is crying".

¿POR QUÉ NO ME DIJISTE QUE BREL HABÍA VUELTO?

2010-05-24T03:04:00.000-07:00

¿Por qué no me dijiste, querido Fernández, que Brel había vuelto? He tenido que enterarme por mi cuenta y ahora que sé que existe reencarnado, qué ironía, está a punto de volver a irse.
Evidentemente, lo que escribo es una exageración, porque Jacques Brel sólo hubo uno y ahora debe estar en el Tahití de los poetas fumadores. Quizá sea allí donde se encuentre con este otro poeta fumador y bebedor al que, por casualidad, he dscubierto este fin de semana, cuando la cirrosis y el cáncer están a punto de llevárselo también.
Fue a última hora del viernes. Estaba buscando música de Louis Chedid -no sé si en iTunes o en Spotify- cuando, no sé como, me tope con un disco en homenaje a Allain Leprest "Chez Leprest". Un disco, luego comprobé que ha tenido una segunda entrega, en el que cerca de una treintena de los grandes de la canción en francés, desde Adamo a Sanseverino, pasando por Hervé Vilard u Olivia Ruiz, repasan del modo más desnudo y hermoso posible, apenas con un piano, el cancionero de este, para mí hasta ayer, gran desconocido, aunque ya se ha hecho ya con un sitio de honor entre mi música preferida, porque qué se puede decir ante, por ejemplo, esta hermosa evocación de un domingo lluvioso en Normandia.

Casualidades de la vida, yo, sin saberlo, tenía ya, y me gustaba, música de Leprest, interpretada, eso sí, por Enzo Enzo o, en uno de mis discos preferidos, por una "vieja estrella" de la radio regional francesa, concretamente de La Rochelle, amén de actor, pintor y, evidentemente, cantante, Nada menos que Jean Louis Foulquier, que grabó en los años ochenta con canciones de su amigo Leprest un álbum titulado "Foulquier", pero que debería haberse llamado. al menos, "Foulquier chante Leprest". Un álbum que se abre con este tema sarcástico y descarnado, el mismo con que abre "Chez Leprest" Olivia Ruiz, titulado "Todo lo asqueroso tiene un bonito nombre"

Allain Leprest cuenta con la admiración y el reconocimieto de los supervivientes de la "chanson" y, tanto Claude Nougaro, como Juliette Gréco o Henri Salvador han sido generosos -y justos- a la hora de elogiar sus canciones. No por ello ha dejado de contactar con las nuevas tendencias emergentes en el panorama musical francés que apreciam la sencillez de su poesía bordada sobre una trama musical aparentemente sencilla, pero muy elaborada, en la que, con o sin ironía, lo que domuna es la ternura y la melancolía. Como en esta sobrecogedora "Une vlase", que interpreta junto a Fantine, estrella de la versión francesa de "Les Miserables".

Premiado como compositor y cantente y como poeta, las canciones de Leprest, poco dado a o poco querido por los grandes escenarios, todo un maldito de la chanson, han servido de fondo sonoro a tres títulos de uno de los más conocidos autores de la nueva novela negra francesa, Roger Martin, que también le ha dedicado su última obra.
Ahora, cuando está apunto de dejarnos, cuando es el "tiempo de apurar la botella", es cuando esos grandes escenario se abren para quien, no lo dudéis, tiene un sitio reservado junto a Brel, Brassens o la Piaf en el olimpo de la chanson.
Aquí os lo dejo con algunos de sus amigos, compartiendo la gloria de uno de esos escenarios que hasta hoy no encendían sus focos para él.

POR CIERTO...

2010-05-19T07:47:00.000-07:00

...cómo estar en desacuerdo contigo sobre Natelie Merchant y su último disco doble. ¡Chapeau! por la variedad de palos que aborda, por el gusto a la hora de interpretarlos y por los magníficos arreglos. Me ha llamado la atención uno del primero de los dos discos: "The Dancing Bear" que rememora los ritmos "judios" de Europa central que, a su vez, tanta influencia tienen en una ciudad de importante ascendencia judía como Nueva York. Los música "klezmer", propia de los askenazis, se está modernizando a través de jóvenes clarinetistas de Hungría, Alemania (Berlín) e, incluso, Francia y ha habido músicos de jazz como Don Byron o John Zorn que se han aproximado a los ritmos generalmente alegres de las fanfarrias. Viene este rodeo para recomendar una reciente colaboración entre el clarinetista neoyorkino David Krakauer y su grupo Klezmer Madness! con uno de los más grandes trombonistas de funky, Fred Wesley -compañero de giras de James Brown junto a Maceo Parker y que luego ha integrado formaciones como Parliament-Funkadelic. La sociedad de ambos da un curioso resultado de "judeo-funky" en el disco "Abraham Inc." del que os invito a apreciar el tema principal grabado en directo en el Apollo Theatre: "Tweet Tweet" en ...

La noruega con nombre de volcán me ha dejado, sin embargo, frío. ¡Qué le vamos a hacer! Así que te recomiendo otra cantante francesa, amiga de Benjamin Biolay, a ver si te gusta (si es que aún no la conoces)... Se llama Jeanne Cherhal y tras un paréntesis de tres años vuelve con "Charade".¡Disfrutala!

LOS REYES DEL K.O.

2010-05-16T09:14:00.000-07:00

En sus memorias publicadas en Internet –cortas, porque estamos en la época de resumir-, Adrián Costa (Santiago, 1979) reconoce que, de pequeño, tomó prestado un disco en el Simago –el “King of the blues guitar” de Albert King- que todavía no ha devuelto. Sin duda es una de las más grandes contribuciones a la cultura popular de aquellos “pequeños” almacenes que espero no quebraran por la cantidad de préstamos que realizaban entre los jóvenes de las clases populares en los 70 y 80. Y digo que fue una gran contribución porque, como se puede apreciar en el siguiente vídeo, Costa aprendió bien la lección aunque venga a decirnos que su gran influencia es otra…

Adrián Costa es la mitad de `Los reyes del K.O.´. La otra mitad es Marcos Coll
–Madrid, 1976- un dúo de gallegos (es bien sabido que los “gallegos” como los de Bilbao nacemos donde nos da la gana) que, como ellos mismos reconocen, han sublimado su condición al emigrar a Berlín, donde en la actualidad tienen su base de operaciones y han encontrado a nuevos colegas con los que compartir escenario. Aquí les vemos con Dwayne Verheiden, un joven acordeonista holandés cuyo ídolo es Flaco Jiménez…

`The Knock Out Kings´, como les presentan de viva voz en su último disco grabado en directo en el local berlinés donde tocan cuando no están de gira: el Yorckschlössche, son una auténtica revelación para otro emigrante como yo. Los que estáis en España seguro que ya les conocéis porque han grabado un concierto para Radio3 –qué necesaria radio sigue siendo-, del que no me resisto a insertar esta versión del “Divin’ Duck” de Johnny Winter…

El caso es que Costa y Coll me parecen lo mejor del blues internacional de los últimos años y os animo a sumergiros en su discografía. Sólo dos tipos tan dotados musicalmente como ellos y con la retranca gallega innata pueden hacer una versión tan mejorada del éxito de Michael Jackson “You Make Me Feel”…

Por cierto, en esta entrada, además, no me he tenido que comer el coco con el título. ¡Son auténticos!

POR CIERTO...

2010-05-10T04:07:00.000-07:00

Lo has conseguido, Fernández. En tus últimas entregas me hablas de dos mujeres a las que he dedicado mucho tiempo de escucha y mucho espacio en mi discotca, Dee Dee Bridgewater y Rigmor Gustafsson. Me hizo gracia eso de que Rigmor Gustafsson "pese al nombre" es una mujer y te respondo con una compatriota de la Gustafsson, que se dio a conocer en la misma discográfica noruega, el interesantísimo sello Curling Legs, que, desde hace años, mantiene una magnífica página web, desde la que se accede a todo su catálogo a un precio muy razonable.
De la compatriota de Rigmor también yo te podría decir que, a pesar de su nombre, no es un volcám, porque se llama nada menos que Solveig Slettahjell. Lo que si te digo es que me atrevo a garantizarte es que acabarás por aprenderte este nombre que es el de una de las mejores vocalistas del jazz europeo. Una mujer que se atreve con los standards de siempre y con temas de ayer mismo como éste, de tu admirado Tom Waits.

Solveig, relativamente joven para la madurez que demuestra, no sólo canta, sino que, como has visto, toca el piano muy aceptablemente, no obstante se deja acompañar por un magnifico y nada convencional quinteto que, con fino sentido del humor, ha bautizado como "Slow Motion Orchestra", que, traducido a algunos idiomas, entre ellos el nuestro, quiere decir "Orquesta de Cámara Lenta".
La Slettahjell, formada en la prestigiosa Academia de Jazz de Noruega, comenzó a cantar siendo niña y en la iglesia los himnos religiosos tradicionles de su país, lo que quizá explique por qué hace tres años se atrevió a grabar todo un álbum de música navideña en la Iglesia de la Natividad en Belén. Un álbum capaz de conmover, incluso, a personajes tan poco creyentes como yo. No incluido enese "Natt I Betlehem", aquí va este magnífico standard navideño, compuesto por Mel Tormé.

No debes olvidarte del nombre, Solveig, ni, sobre todo, del apellido, Slettahjell, que identifican a esta mujer de voz tan técnica como emocionante. Te dejo, os dejo, con ella en otra faceta completamente distinta, arropada, no por un piano o por un quinteto, sino por toda una gran orquesta en una gala benefica. Esta es su versión de "Smile", de Charles Chaplin.

OBRA DE ARTE

2010-05-10T04:06:00.000-07:00

Aunque sé que ya lo conoces y que, probablemente, muchos de nuestros lectores también, no me resisto, querido Fernández, a comentar una soberbia obra de arte que cayó en mis manos hace unas semanas. La firma de tan soberbio trabajo es de Natalie Merchant, apoyada en la producción por el venezolano Andrés Levin. Se trata del último y preciosista álbum, doble en su versión original, de la neoyorkina Natalie Merchant que, lejos ya de aquellos sorprendentes 10.000 maniacs, ha optado por la introspección y las raíces y lo ha hecho con un trabajo que ha titulado "Leave your sleep" en el que bucea en lo mejor de la poesía británica y norteamericana de los dos últimos siglos, acariciando los poemas con su magnífica voz y conb una música y unos arreglos que tardaré tiempo en olvidar, si es que lso olvido alguna vez.
Da una idea del preciosismo con que están tratados todo él álbum este primer tema: "Nursery rhyme of innocence"

He de decir que, aunque adoro la música de raíces, especialmente la que se crea sobre ella, más que la que se limita a reproducir el "sota,caball y rey" el repertorio e, incluso, de los arreglos. Por eso temía llevarme una decepción con el ´ltimo trabajod e esta "princesa" del folk-rock. Pero, como podeis comprobar en esta versión en vivo para la BBC de "The man in the wilderness", mis temores eran totalmente infundados.

Habréis podido comprobar el silencio devocional con que el público escucha a Natalie. Quizá porque sepan que ella, especialmente con este trabajo, no está dispuesta a otra cosa. Y me alegro, porque cada vez estoy más harto de las palmas en los conciertos. Es algo como llegar a un restaurante y tener que ponerte la mesa. Mejor no, creo yo.
Y para libraros ya de mi entusiasmo por este álbum, en el que no faltan el humor, el exotismo, ni mucho menso colaboraciones destacads y destacables como las de Medesky o Winton Marsalis, os dejo uno de sus mejores momentos "Equestrienne"

POR CIERTO...

2010-05-04T08:09:00.000-07:00

… es lo que tienen las buenas tiendas de discos, que vas buscando lo último de Perales y, de tanto buscar, acabas haciendo un descubrimiento. En este caso, supongo que personal porque al repasar la biografía de Rigmor Gustafsson –que a pesar del nombre es una señora- resulta que es una de las mejores cantantes de jazz suecas desde hace años. Ya grabó un disco en 2004 con el pianista franco-estadounidense Jacky Terrasson que es una auténtica maravilla y al que da título la canción de los hermanos Carpenter: “Close to You” …

También grabó “I Will Wait For You” en 2003 con su amigo el trombonista sueco Nils Langren que, al frente de la Funk Unit, es uno de los mejores en su género y le apoya y produce –como explica él mismo en el vídeo promocional que cuelgo a continuación- en la grabación que me acabo de encontrar en la FNAC de París y que es su último trabajo: “Calling You” –el tema central de la banda sonora de la película `Bagdad Café´-, en la que se hace acompañar por el Radio String Quartet de Viena. Incluye la mencionada versión y otras como el “Still crazy alter all these years” de Paul Simon, el clásico “Makin’ Whoopy”e, incluso, una reinterpretación del "Close to You" -debe tener alguna fijación-.

Un trabajo muy interesante, desde mi punto de vista, que espero sea un regalo como lo ha sido para mi descubrir a la impresionante Shakura S’Aida. De la que soy rendido fan. Espero que en breve la pueda apreciar en directo y, a ser posible, con toda su “familia”…

EN EL DIA DE LA MADRE

2010-05-02T11:45:00.000-07:00

Por los pelos llego a esta celebración tan artificial como esperada por las propias madres después de unas aceleradas vacaciones. Y se me ha ocurrido rendir homenaje en esta entrada de “recuperación” a una de ellas: Dee Dee Bridgewater (Memphis, Tennessee 1950). Denise Eileen Garrett (su nombre civil) está vinculada al jazz desde su nacimiento –su padre era trompetista y profesor de jazz- y a Billie Holliday desde que en 1986 interpretara su biografía en el musical `Lady Day´. En esa década se instaló en París y ha sido en la capital francesa donde ha desarrollado y fortalecido su personalidad musical como solista después de haber conocido el éxito en los años 70 como cantante en las formaciones de Sonny Rollins, Dexter Gordon o Max Roach, entre otros. En los 90, equivocó un poco el tiro al querer emular a las “gritonas” de la época -como Barbra Streisand, Witney Huston o Celine Dion- con apariciones tan impactantes como prescindibles. Es el caso de esta en el Festival de San Remo.(La pongo como ejemplo... a no seguir)

Su explosiva personalidad en el escenario le han convertido, a mi juicio, en una de las mejores cantantes en directo, pero también en una especie de genio que no se puede encerrar en una lámpara. De ahí, quizá, una discografía muy irregular. En esta década, Dee Dee ha vuelto a recuperar el hilo e intentar hacer la competencia a la “gran dama” del jazz mundial en estos momentos: Cassandra Wilson. Vuelven a aparecer en su repertorio los grandes clásicos...

Tras una ausencia discográfica de tres años, ha publicado hace unos meses el que puede ser el mejor de sus trabajos: “Eleanora Fagan”, cuyo subtítulo “To Billie with love” desvela que es un homenaje a la `Holliday´ oculto detrás de su verdadero nombre. Y lo hace en compañía de un cuarteto impresionante en el que brilla con luz propia otro saxofonista que fue una revelación fulgurante en los 90 y que va encontrando su grandeza, más reposada: James Carter. Juntos –como se puede comprobar en el DVD que acompaña una de las ediciones del disco y que recoge el memorable concierto que Bridgewater ofreció en julio de 2009 en el Festival de Jazz de Vitoria- reinterpretan con profundidad y con humor (lo que me parece un acierto) algunos de los temas de la más grande cantante de jazz de todos los tiempos.
Como no encuentro ningún video publicable, cuelgo el de una de sus últimas actuaciones en directo en la que, desgraciadamente, no está físicamente James Carter, aunque sí su espíritu…

Volviendo al principio, Dee Dee también es madre y uno de sus hijos es China Moses. Una cantante afincada en Francia que comenzó en 1997 con un prometedor disco de `r&b´ que llevaba su nombre a secas y que el año pasado –influencia materna obliga- editó uno de jazz con un homenaje a Dinah Washington en compañía del pianista Raphael Lemonier. Un ejercicio muy arriesgado del que no sale malparada…

Lo dicho. ¡Felicidades mamas!

POR CIERTO...

2010-04-19T02:43:00.000-07:00

Por cierto, estupenda sugerencia la del último álbum de Gil Scott-Heron, un personaje al que yo no había llegado y que nunca te agradecerá bastante que lo hayas puesto en mi camino.
La música tiene mucho que ver con la cárcel. De la soledad de las celdas han nacido siempre y en todas partes hermosísimas canciones y la soledad del que escribe canciones ha acabado muchas veces en una celda, sobre todo en esos países hipócritas que ven a quien se deja atrapar por las drogas como delincuente y no como enfermo.
Ese fue el caso de uno de los músicos más prolíficos de lo que hemos dado en etiquetar como "americana". Se trata de Steve Earle un músico tejano que ya triunfaba antes de cumplir los veinte años y que, cuando decidió cantar lo que pensaba sobre la guerra de Vietnam, tropezó con lo peor de sus paisanos, por lo que acabó exiliaándose en Londres.

Allí, la soledad y la ausencia de referencias le empujaron al abismo y, ya en los Estados Unidos, acabó en prisión, donde, como un apestado, sólo encontró el consuelo y las visitas de Johnny Cash y Townes Van Zandt. Por eso, cuando salió de prisión tenía mucho más claro quién era el enemigo a batir, cómo luchar contra él y dónde buscar las referencias. Por ejemplo en Woody Guthrie al que pide que vuelva en el precioso tema "Christmas in Washington.", de su álbum "El corazón".

Tuve la suerte de escuchar a Steve Earle con su banda "The Dukes" en un concierto que coincidió con lo peor de la invasión de Irak. Allí, sobre el escenario de la desaparecida sala Aqualung, pidió perdón porque sus compatriotas hubiesen reelegido a Bush y allí desgranó lo mejor de su repertorio más rockero, incluidos temas de Dylan y The Beatles, teloneado por su "chica", Allison Moorer.
Años despuésvolv a escucharle, esta vez en solitario y con Allison, dentro de su proyecto de vuelta a las raíces, proyecto que ha culminado con su disco homenaje a su maestro Townes Van Zandt, del que tomó el nombre para su hijo, Justin Townes, otro magnífico músico. De ese disco, "Townes", aquí va "Pancho and Lefty"

ORO NEGRO

2010-04-19T02:41:00.000-07:00

La acabo de descubrir, como quien dice, gracias a Toni Martin, uno de los profetas de la buena música en Madrid.
Sé que es canadiense, más que guapa, actriz y, sobre todo, una magnífica cantante de blues, rhythm & blues, gospel y, cómo no, jazz. Por la información que he podido recabar en Internet he sabido también que comenzó en un grupo de eso que aqui llamamos "étnica", como si quien toca en una orquesta sinfónica no tuviese raza, y en Estados Unidos "world music", como si los EE UU no fueran de este mundo, aunque a veces lo parezca.
Más adelante se "profesionalizó" haciendo voces para figuras consagradas, como la gran cantante de R&B Patti Labelle o la estrella del country-folk canadiense Rita McNeil. Pero decir esto es decir poco de esta mujer que ha sorprendido en el mundo del blues vocal, hasta el punto de haber obtenido una importante cosecha de premios con dos discos en apenas dos años.
Creo que lo mejor es verla en acción ya, en esta ocasión con la espléndida guitarrista, otra sorpresa, Donna Grantis.

La voz de Shakura S'Aida, que no tardará alcanzar el título de "dama" del blues, navega con soltura por los mares del blues, el rhythm and blues y el soul, sin tener nada que envidiar a mitos vivientes como Etta James o Aretha Franklin.

Para quien quiera pasar de la teoría a la práctica, de momento y buscando, por ejemplo en la tienda Toni Martin de Madrid, podemos encontrar dos álbumes de Shakura S'Aida: "Bueprint", el primero y "Brown Sugar", calentito de hace unos días. Creo que merece la pena hacerse con ambos y creo que aquí hay una estrella para mucho tiempo.
Para despedida lo mejor es ponerla a prueba con uno de los blues más desgarrados que se hayan escrito nunca: el "Strange Fruit" de Billie Holiday.

POR CIERTO...

2010-04-14T04:36:00.000-07:00

...en tu entrada sobre los "turistas" musicales, me ha sorprendido, sobre todo, Howe Gelg. Me parece magnífico el tema que se marca con el cada vez más versátil Raimundo Amador -una versatilidad que no le hace perder ni un ápice de "duende" gitano, por cierto-. Aquel músico con sombrero "western" trasladado al sur español, me ha recordado a otro músico con sombrero tejano que, con toda la natularidad del mundo, decidió hacer versiones de clásicos del rock con ritmos caribeños, en concreto cubanos. Se trata de Ned Sublette (Lubbock, Texas, 1951) que publicó un arriesgado disco en 1999 titulado "Cowboy Rumba" en el que tocaba con orquestas de la Isla como Los Muñequitos de Matanzas y NG La Banda. Allí se marcaba el que quizá fue su tema más conocido, la versión del "Riders On The Storm" de los Doors que él titula "Ghost Riders In The Sky". Además, como musicólogo, ha escrito un libro publicado en 2004 en Estados Unidos: "Cuba and Its Music: From the First Drums to the Mambo" y posee un sello discográfico en el que promociona en Estados Unidos a músicos cubanos como Isaac Delgado.

LIBERTAD SIN CONDICIONES

2010-04-08T11:52:00.000-07:00

Gil Scott-Heron (Chicago, 1949) es un hombre de principios. En su último disco “I’m New Here” aconseja: “Hay un claro procedimiento para sacar el máximo provecho a una inversión. Música, por ejemplo. Comprar un CD es una inversión. Consigue lo máximo que puedas. ESCUCHALO POR PRIMERA VEZ EN LAS MEJORES CONDICIONES. No en el coche o en un reproductor portátil con auriculares. Llévatelo a casa. Aleja las distracciones (incluido él o ella). Apaga tu móvil y cualquier cosa que emita timbrazos, bips o silbidos. Ponte cómodo y dale al lector de CD. Escúchalo todo. Piensa en lo que has conseguido”.
Aunque Gil Scott-Heron se ha pasado los últimos años más entre rejas que en la calle por sus problemas con la cocaína sabe lo que es un MP3, pero le debe tocar las narices. Como cuando en los años 70 proclamaba que la revolución es imposible verla a través de la televisión…

Scott-Heron, al que algunos llaman el Bob Dylan negro, siempre ha sido muy militante. Tanto en sus canciones como en sus textos. La última vez que ingresó en prisión fue al término de una gira con Steve Wonder en la que hacían campaña para que Martin Luther King tuviera un día festivo. Antes, por supuesto, había luchado por los derechos de los negros, contra las centrales nucleares –participó en el concierto `No Nukes´- e incluso –al estilo del Will.I.Am con Barack Obama- compuso un himno contra la reelección de Ronald Reagan…

Yo le descubrí con este tema del que todavía guardo el “sencillo” –como se decía en la prehistoria-, aunque Scott-Heron con `Pieces of a Man´ y `Winter in América´, en colaboración con el teclista Brian Jackson y el gran Ron Carter al bajo, ya había sentado las bases, junto con The Last Poets y James Brown, de lo que ahora es el “hip-hop” y el “rap”. Pero como es un hombre de principios, en su penúltimo disco en estudio: “Spirits” (1994), escribió “Message to the Messengers” para recordarles que no es suficiente rimar cuatro palabras de cuatro sílabas para ser poeta y menos si todas las historias son de tiros. En su último disco, no obstante, utiliza un ritmo de Kanye West, el rapero de Chicago. Pero hay más cosas en ese estremecedor “I’m New Here” que comenzó a grabar en 2007 después de que el productor Richard Russell le fuera a ver al trullo para convencerle. Hay blues, mucho blues, de Robert Jonhson –“Me and de the Devil”- y propio: “New York Is Killing Me”, que suena como si lo hubiera cantado más de una vez sólo en la celda y en el que se escucha esta frase: “ocho millones de personas y no tengo ni un amigo”. Duro. Exigente. Con principios, como cuando cantaba este “Johanesbourg” –porque también militó contra el apartheid: el de Sudáfrica y el de Illinois-…

Este verano tenía que venir a París, pero no le han dado permiso las autoridades judiciales. Habrá que conformarse con esta grabación de 2001 en el New Morning: “A Lovely Day”…

POR CIERTO...

2010-04-05T02:07:00.000-07:00

Por cierto, querido Fernández, y con retraso, Mondoñedo ha tenido la culpa, yo nunca tuve la pasión ni el conocimiento que tú tienes para las músicas africanas. Quizá porque llegué tarde a ellas, quizá porque nunca he sido muy bailón y no he cultivado los directos, o quizá porque vivo en Madrid que carece, o al menos ha carecido hasta ahora, del paisaje multicultural del que goza tu París, el caso es que me falta afición.
Sin embargo, en África está el origen de toda, o casi toda, la música que a ti y a mí nos gusta.
Recuerdo, eso sí, el impacto que tuvo en mí esa obra maestra de la música que fue, que sigue siéndolo, el álbum "Graceland" de Paul Simon, una mezcla perfecta de lo mejor de ese suave sonido folk "made in Simon", con lo mejor de la música surafricana y con el mejor plantel posible de músicos del exhuberante jardín de los ritmos autóctonos.

Allí estaba ese genio de la guitarra que es Ray Piri y estaban, cómo no, los hipnotizantes Ladysmith Black Mambazo que, con sus voces y con sus danzas, nos hipnotizaron a muchos.

Puestos a recordar, no hay que olvidar el impacto que tuvieron, no sólo el álbum, sino también la gira posterior, que, rompiendo, no sin las críticas y la oposición de los talibanes, que para todo hay, el boicot a que estaba sometida Surábrica., abrió los ojoe muchos a la situación país.
Afortunadamente, hoy puede decirse que el gesto valiente de Paul Simon fue, de algún modo, uno de los puentes de plata que ayudaron en la retirada del vergonzante apartheid que pesaba sobre Suráfrica.

TURISTAS

2010-03-29T12:24:00.000-07:00

La idea para este post me ronda desde que hace unos días escuché a Josh Rouse -adoro su pop suave e intimista- charlando con Pedro Blanco, en ese progama, el suyo, en el que a cada cosa se le da el tiempo que requiere. La charla giraba en torno a su último disco "El turisata", grabado a lo largo del año largo que lleva comiendo paella en Valencia.
Fue una charla interesante, en la que Rouse, autor de álbumes sublimes, como su "1972", se sinceró hasta el punto de reconocer que, desde que vive en España, la disciplina con la que había trabajado hasta ahora se ha diluído con costumbres tan españolas como la de beber un buen vino suemre que se pueda o dejarlo todo para mañana.
Su álbum español, "El turista" no es, desde luego, lo mejor de su producción y, sin embargo, se acerca al encanto de los anteriores gracias a curiosidades como su devocional acercamiento al mítico "Bola de Nieve".
Aquí podéis ver y escuchar a Josh Rouse paseando por Barcelona mientras suena su "Quiet Town" o interpretando el "Mesié Julián" de Bola de Nieve en el concierto del Joy Eslava, ante un público que, por lo que parece, nada sabía del genial mulato cubano catalán.

Josh Rouse - Quiet Town / Mesie Julian - A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

La verdad es que, ya desde los tiempos del dictador, España fue destino de muchos y muy interesantes músicos de todo pelaje. Que yo recuerde tuvimos a un joven y ya gamberro Rod Stewart, detenido y expulsado aplicándole la "ey de vagos y maleantes", a un John Lennon viviendo con Yoko Ono en Almería mientras rodaba con Lester, al malogrado Warren Zevon residiendo en la costa Brava o a los mismísimos Pink Fñoyd que, ya sin Syd Barrett, pero aún en plena psicodelia, pusieron música a "More", algo así como "La conquista del Oeste" de los hippies, con los viejos molinos de viento de Formentera al fondo.

También la isla de Formentera fue base de operaciones para los geniales King Crimson que llegaron a tener su propio estudio en ella. Una isla que dejó huella en ellos y a la que dedicaron uno de los mejores temas de su álbum "Islands", "Formentera Lady"

La lista sería interminable y pasaría por el Leonard Cohen enamorado de Lorca y Granada o el genial Leonard Bernstein poniendo sus dólares para rescatar la vieja judería de Girona.
El último ejemplo ha sido quizás el del no menos genial e introvertido Howe Gelg, alma y algo más de los Giant Sand, que, cansado quizá de su desierto de Tucson, ha dado con sus huesos y su guitarra en España, donde ha grabadocon Raimundo Amador, entre otros, su álbum "Alegrías", que ha firmado como Howe Gelb and a Band of Gypsies. Y, a pesar de que ceo que aún no está a la venta, aquí va un adelanto.

Uneven Light of Day ("Alegrías", Howe Gelb & A Band of Gypsies) from eureka music on Vimeo.

EL REY DE LA JUJU

2010-03-25T11:48:00.000-07:00

Cuentan las crónicas que, a la muerte de Bob Marley, los directivos de Island Records buscaban un artista de lo que entonces se llamaba “música del Tercer Mundo” –todavía no se había adoptado el más correcto de World Music lanzado unos años más tarde por Peter Gabriel, entre otros-. El energético Fela Kuti acababa de firmar por Arista y de ahí que se “fichase” al Eto’o de la música nigeriana: King Sunny Adé que rápidamente popularizó la “Juju Music” a principios de los 80 en las pistas de baile de Nueva York y Londres. La música “Juju” –pronúnciese yu-yu- no da miedo. Por el contrario, el ritmo peculiar de este tipo de música de origen Yoruba trasladado a las guitarras eléctricas apoyadas por los “talking drums” y sintetizadores genera una atmósfera similar a la del funky. Nadie puede dejar de bailar.

Esta actuación de 2009, en Seattle, es el último “come back” de King Sunny Adé & His Africans Beat, el único músico africano nominado dos veces a los premios Grammy. Nacido en Nigeria hace 64 años en el seno de una familia real –de ahí el apelativo King-, Sunday Adeniyi –su verdadero nombre- fue el primero en introducir la steel guitar y el wah-wah en el pop de su país, donde es una estrella y un emprendedor hombre de negocios. Como sucede también con otros músicos africanos como Youssou N’Dour. El caso es que en su dilatada carrera –ha publicado 133 discos- hay de todo, como este simpático vídeo que recuerda a las misas de Harlem –salvando la distancia atlántica-…

Los Talking Heads no pueden ocultar su influencia en sus composiciones de finales de los 80 y esta influencia se puede ver de manera más reciente en los nuevos grupos de la escena neoyorkina como Vampire Weekend…

Quizá por ellos, Adé vuelve a estar de moda y el año pasado estaba grabando un nuevo disco de estudio en Filadelfia. Música divertida y bailable. Por algo le llaman el Ministro de la Diversión ¡Qué más se puede pedir!

POR CIERTO...

2010-03-07T07:50:00.000-08:00

...el Preservation Hall es cómo la Meca para los musulamanes o el Vaticano para los católicos. Cuando tuve la oportunidad de visitar Nueva Orleans, estuve en este local cochambroso. Es cómo para un niño visitar Disneyland. La reacción fue tan impresionante que en los muros de mi salón tengo colgadas algunas litografías de bandas de jazz que tocan en el Preservation (y no es broma). Es más, en Bruselas había un local de dixie al que llamaban el Preservation Hall y en el que se podían beber unas magníficas cervezas. Mariés y yo íbamos con frecuencia. En especial cuando venían amigos de España. La magia del dixie no tiene comparación. Es algo mágico. Aunque no hay que olvidar que se trata de música para blancos...

Me sumo a la demanda de Hernández. Hay que comprar este disco.

SALVAR EL PRESERVATION HALL

2010-03-07T00:39:00.000-08:00

El "dixie", esa primitiva forma de jazz proveniente sin apenas evolución de las bandas de música que acompañaban los funerales en la ciudad de los billetes de diez dólares bilingües , ha sido para muchos -no negaré que para mí también- la puerta de entrada al jazz.

Y, si el "dixie" es el pasaporte para ese largo viaje, su capilla sixtina es un destartalado local del barrio francés de Nueva Orleans, lugar de cita obligada para quienes visitan una de las ciudades más hermosas y peculiares de los Estados Unidos, Nueva Orleans, castigada duramente por la furia del "Katrina" y la incompetencia de la ya felizmente superada administración Bush.

Años después de la retirada del Katrina, sus principales víctimas siguen siendo las clases humildes, especialmente de los barrios negros, la música que da sentido a la ciudad, las viejas glorias del jazz y del blues que sobrevivían a orillas de los turistas que la visitaban ayer mucho más que hoy, , sobre todo, la música.
Uno de los lugares más afectados, que poco a poco, intenta resurgir de la ruina en que lo dejaron el agua y el barro es el Preervation Hall, un curioso local conservado "tal cual", desde hace décadas para que nada ni nadie osen arruinar la mágica acústica del recinto que se ha mantenido a salvo de materiales sintéticos, aires acondicionados o ruidosos ventiladores.
Ir al Preservation Hall era, para quienes allí acudían, una rara sensación que llevaba el paraíso a los oídos y el infierno al resto del cuerpo, porque el calor, la humedad y la cercanía del resto del público, apretado de modo incraíble, sólo eran soportables con la fe del converso.

Ahora, para devolver el Preservation Hall a lo que fue, ha nacido ua hermosa iniciativa en forma de doble disco -hay una edición reducida- en el que más de una veintena de músicos de la talla de Tom Waits, Ani DiFranco, Angelique Kidjo, Richie Havens, Andrew Bird, Pete Seeger, Merle Haggard y un largo etcétera, con joyas como la sorprendente Amy Lavere, han unido sus voces y sus instrumentos a la banda del local, la famosa "Preservation Hall Jazz Band" para grabar "Preservation: an album to benefit Preservation Hall and Tthe Preservation Hall Music Outreach Program". Un disco doble o sencillo que puedes pedir sencillamente como "Preservation" o descargarlo de webs comerciales, con permiso de la SGAE, que no siempre lo da, aunque pagues. Pero ese es otro cantar.
Aqui va el clip de promoción del álbum para que os hagáis una idea de lo que podéis encontrar en él.

No dudéis en comprarlo, es una buena iniciativa y, sobre todo, un buen álbum. Magnífico diría yo

POR CIERTO...

2010-03-06T00:00:00.000-08:00

Más que interesante tu recomendación de Mose Allison. No cabe duda de que es uno de los pilares de esa música que tanto nos gusta a tí y a mí. Todavía recuerdo ese disco homenaje grabado conjuntamente por el león borrachín de Belfast, Georgie Fame y el propio Allison. En aquella época me acercaba a la zona mas blues de Van Morrison y me encontré con el tesoro de la voz y la música de Mose.
Ese instante tuyo de 82 años que, como te digo, también es mío y, como dices, lo es de mucha más gente, aunque lo ignore, me ha hecho recordar otros instantes de un hombre bueno, aunque a veces incapaz de dominar al hijo de puta que todos llevamos dentro, religioso y progresista a un tiempo, que siempre supo estar al lado de los caídos para ayudarles a levantarse de nuevo. Lo sabe muy bien Steve Earle y lo saben muy bien todos los que alguna vez le han necesitado para llevar un poco de música y bastante ácido a escenarios hasta entonces insólitos como las prisiones.
Pero ese hombre bueno e irascible, atrapado por los demonios del alcohol y la culpa, que a punto estuvieron de negarle la felicidad, tuvo un final tranquilo en el que le acompañó la inteligencia musical del productor Rick Rubin quien supo sacar lo mejor del viejo Cash, poniendo a su disposición un catálogo de hermosísimas y atípicas canciones, junto a un plantel de, tan magníicos como heterogéneos, músicos, dispuestos a dar su mano derecha por tocar junto al patriarca.
El resultado son seis magníficos álbumes, con un extra de himnos religiosos, indispensables en la discoteca de cualquiera que ame la música. Una colección de canciones que Johnny Cash lleva a un terreno que no es el suyo ni el de la propia canción y que, sin embargo, provoca el silencio, la introspección y quién sabe si alguna lágrima en quien las escucha. Son seis joyas de las que la última acaba de salir al mercado con el rostro de un Johnny Cash dentón y risueño de apenas ocho años como portada. El álbum, amén del título lógico y ya legendario de "American Recordings VI", lleva como subtítulo el de ésta, la primara de sus canciones, "Ain't no grave".

Escucharle, con esos arreglos a un tiempo ricos y sutiles, es como escuchar música del más allá

POR CIERTO...

2010-03-02T05:45:00.000-08:00

...a veces los periódicos te dan noticias agradables. Como un concierto gratis a los pies de la Torre Eiffel de la que se considera nueva alternativa del soul británico ante la renuncia de Amy Winehouse. Se llama V.V.Brown y Los Angeles Times y The Independent la consideraron como artista revelación en 2009, a raíz de la publicación de su primer y por el momento único album.
Exactamente no hace lo mismo que Amy. Su música es definida como retropop con mezcla de rock independiente. En los vídeos oficiales parece una cantante más de R&B, pero su voz te dice que es capaz de ir más allá como demuestra en esta grabación acústica patrocinada por una conocida marca de gafas de sol.

VV Brown from Ray-Ban Rooms on Vimeo.

A mi me parece que está bastante bien. Se notan sus raíces jamaicanas y portorriqueñas. Habrá que seguirla con atención y ver si no se queda en "una aspirante más", aunque esta actuación en el programa de la BBC de Jools Holland promete...

De Eric Bibb, qué decir, un ¡chapeau! tan grande como los que suele usar. Tengo todo lo que me he podido procurar de él y aunque hay discos que son un poco demasiados líricos para mi gusto, tiene otros magníficos como el "A Ship Called Love".

UN INSTANTE DE 82 AÑOS

2010-02-25T10:52:00.000-08:00

Hay canciones que te dejan suspendido en el aire. Durante unos instantes atrapan toda tu atención y eres consciente de que estás viviendo un momento irrepetible. Como la primera vez.

“Young Man’s Blues” es uno de mis temas imprescindibles. Su autor e intérprete, Mose Allison, uno de los referentes ocultos de la música que hemos mamado los de nuestra generación. Casi sin darnos cuenta. En los ritmos de finales de los 60 con The Who, en los de los 70 con John Mayall y Van Morrison, en los 80 con The Clash y Elvis Costello, en los 90 con The Pixies e, incluso, a principios de este siglo con Foo Fighters. Todos ellos han incorporado a su repertorio alguno de sus temas, aunque Allison ha influido además en Rolling Stone, Led Zeppelin o Elton John.

Allison, nacido en el Delta del Misisipi en 1927, es un fino pianista desde la escuela primaria, además de un letrista de afilado e irónico talento –tiene un tema que se llama `Your molecular structure´- y que en los años 50 estuvo considerado como un músico inclasificable. Hasta que alguien inventó para él el término “blue-eyed soul” y quedó patente que era un blanco en un mundo de negros. Quizá por eso fue adoptado rápidamente por los jóvenes británicos que se abrían a los ritmos negros y buscaban referencias. Nadie mejor que un “caballero sudista” con un amplio repertorio de Willie Dixon, entre otros, para hacer de embajador en la clasista sociedad británica y dar alas a los rebeldes "yeyés". Allison llegó a ser el músico americano más popular de Gran Bretaña, donde sigue considerado como un “pope” y contar con alumnos aventajados como Georgie Fame (otra vez él, Javier)

Y el caso es que a su llegada a Nueva York, comenzó como músico de jazz y colaboró con Stan Getz, con el que grabó dos discos. Después ha seguido trabajando el género y ha colaborado con Gerry Mulligan y Zoot Sims, entre muchos otros, además de mantener su propia formación Mose Allison Trio.En el siguiente tema se ven claramente las influencias de Thelonius Monk, de las que nunca ha renegado, por cierto.

Este mes de marzo, con 82 años, saca nuevo disco en Estados Unidos:"The Way of the World” producido por Joe Henry (otra vez él, Javier). Los clásicos son los clásicos. A disfrutarlo en este miniconcierto para televisión acompañado al saxo por Gary LeFebvre, a la batería por Dave Coleman y Gunnar Biggs al bajo.

Mose Allison II/II
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POR CIERTO...

2010-02-19T01:44:00.000-08:00

Esta entrada que, por cierto hace el número cincuenta, la dedico a reforzar la admiración que siento por un tipo tan feo ¿o sólo de rostro difícil? como elegante, capaz de seducir ¡Qué envidia!a la fea más guapa del cine de los noventa y que supo enseñarme el camino, no a Ensenada, sino hacia esa maravillosa música que es el country.
Lyle Lovett deshizo mis prejuicios hacia una de las raíces que más vida dan y han dado a la música norteamericana, una raíz que, no me canso de decirlo, se ha revitalizado y ha revitalizado el panorama musical, no sólo norteamericano, sino mundial en los últimos tiempos.
Yo también caí en las redes de su "large band", como también caí en las de su álbum "It's not big it's large", creía que el chiste era carpetovetónico y veo que no. Y, cómo no, ya he mordido el anzuelo de "Natural Forces".
Siguiendo la estela de Lovett, llegué a Mary Chapin Carpenter, equivalente por su heterodoxia y desde el lado femenino del tejano . Una mujer coleccionista de grammys que, a su vez, me puso sobre la pista de otra de mis grande pasiones, Lucinda Wiilliams, de la que convirtió en grammy este precioso tema, colocándola en la senda de lo que, merecidamente, es hoy.

Mary Chapin Carpenter tiene, sobre todo, clase, mucha clase. Y es versátil como pcas. Se mueve por el country, el folk y el rock cómodamente. Tiene una voz increíble, tanto para las baladas íntimas y emocionantes, como para los temas más rítmicos. Lo que está claro es que, hoy por hoy y más allá del marketing, es la gran dama del folk-country norteamericano. No hay más que verla en este homenaje en el que, una a una, sus "rivales" se rinden ante ella.

Puede que sea difícil, pero está claro que ha merecido la pena y, para los que la admiramos, resulta emocionante. Así que no nos queda más que esperar a que a finales de abril aparezca su próximo álbum "The Age of the Miracles"

OTRO DANDY, PERO NEGRO Y DEL FOLK-BLUES

2010-02-18T11:05:00.000-08:00

Eric Bibb es la elegancia personificada, por su presencia y por su modo de cantar y tocar la guitarra. Gusta de los sombreros de ala, en especial de su "panamá", y, en camiseta o trajeado, su porte le aleja de la imagen de "negro hortera" enjoyado y estridente.
Aunque sus discos están en la sección, y en los sellos, de blues, lo cierto es que su música estambién heredera de la mejor tradición del folk norteamericano del siglo pasado.
Su modo de cantar y tocar, su perfeccionismo en la guitarra y su perfecta vocalización recuerdan, y no lo oculta, a los del gran Mississippi John Hurt y en su repertorio, lo mismo pdemos encontrar temas en la frontera del espiritual o otras que recuerdan los canticos de trabajo de los esclavos del Sur de los Estados Unidos, que las viejas canciones de las luchas sindicales que recogió y fijó Woody Guthrie y que, más tarde, popularizaron el mismo Guthrie, Pete Seeger, Odetta o Joan Baez.
Pero también hay hermosas y delicadas baladas que nada tienen que envidiar, ni en riqueza musical ni en sentimiento, a las de personajes tan idolatrados como Bruce Springsteen.
Por todo ello traigo aquí la música de este negro con porte de modelo y la elegancia de un príncipe africano, Eric Bibb, que se siente orgulloso y lo proclama de la nueva etapa que se abrió para América y para el mundo con la elección de Barack Obama como presidente de los Estados Unidos.

Como habrás podido ver el blues dulce de Eric Bibbse acerca de alguna manera al soul. Y no es de extrañar, porque entre sus maestros coloca, por ejemplo, a Richie Havens, al que le ocurría otro tanto, aunque no sólo la dulzura sea la marca de la casa.

Después de escuchar este "En la casa de mi padre" no queda otro remedio que hablar de la familia. Y es el momento de recordar que su padre, Leon, es un conocido actor y cantante de folk y espirituales que tuvo su gran momento en los primeros años 60, cuando triunfó en los escenarios de Nueva York. Unos años antes, Luis Buñuel le qhabía querido para su película "La joven", de la que interpreta su tema central, el clásico "Sinnerman"

Por si fuera poca escuela la de su padre, Eric tiene, además, un tío ilustre que no es otro que el genial John Lewuis, pianista del legendario Modern Jazz Quartet. Curiosamente, y pese a tan señalados antecedentes, la carrera musical de Eric Bibb, fue tardía y no arrancó en los Estados Unidos, ni siquiera en Canadá adonde se trasladó su padre. Tampoco en la Universidad de Nueva York, donde comenzó a estudias Psicología y Ruso, sino en Europa, primero en París, en cuyas calles y metro, tocó por unas monedas, más tarde en Suecia y finalmente en Londres donde se afincó definitivamente.
Pero, volviendo la relación musical con su padre, León, hay que reseñar un hermoso trabajo "Praising Peace", grabado como homenaje a la figura de Paul Rogeson, un atleta y abogado negro que, amen de convertirse en uno de los más destacados activistas en favor de lso derechos civiles d elos negros, fue un magnífico intérprete de la música de raíz afroamericana.
Como, desgraciadamente, no he encontrado ningún clip de esta colaboraciónd e Leon y Eric Bibb, os dejo éste "Booker's guitar", el tema que abre el último y "recientito" álbum de Eric Bibb, titulado también "Booker's guitar".

Merece la pena, como el directo grabado en directo para la televisión francesa "Live à Fip", distribuido por Dixie Frog, del que he encontrado este interesante video-reportaje en el enlace, incluido un dúo en el camerino con el mismísimo Richie Havens.

Eric Bibb - Live at FIP

Dixiefrog Records | Vídeos musicales MySpace

DANDY LOVETT

2010-02-12T08:57:00.000-08:00

Un tipo vestido de blanco, con pajarita negra, perfil afilado y con un tupe estratosférico. Así descrito, más de uno pensará en “el Pájaro Loco”. Pero no, es la imagen que aparecía -en blanco y negro- en la portada del primer disco que compré de Lyle Lovett. A finales de los 80 y principios de los 90, el “country” sonaba en algunos de los programas que aún tenían un hueco en las radios de música especializada en España. Lovett, nacido en un pueblo de Texas que llevaba el nombre de su tatarabuelo antes de ser absorbido por Houston, había publicado dos discos ortodoxos que le hicieron subir en las listas de Nashville. Pero estaba claro que su creatividad y lirismo necesitaba espectros más amplios. Así nació, con su tercer álbum al que me refería, la “Large Band”: una big band con guitarras, un chelo, un pianista, una sección de vientos y un coro de gospel que le abrió el territorio del jazz y el rythm’n’blues…

Ni que decir tiene que el nombre de Lyle Lovett tuvo otro tipo de resonancias cuando se convirtió en el “novio de la novia de América”. Su matrimonio con Julia Roberts le propulsó al mundo `celibrity´ estadounidense y le abrió las puertas de Hollywood, donde trabajó como actor a las órdenes de Robert Altman en `Short Cuts´. Una colaboración que años más tarde -y ya divorciado de Pretty Woman- continuó en la banda sonora de "Dr. T & the women". Esa querencia por el cine se deja notar en otras colaboraciones como la que tiene con Randy Newman en este magnífico duo sobre uno de los temas de "Toy Story"...

¡Sin duda, podría ser el himno de este blog!
El caso es que hacía tiempo que le había perdido la pista. En 2007, sacó un disco recopilatorio con su "Large Band" y acaba de publicar en 2009`"Natural Forces", en el que vuelve a su lirismo más country. Pero esta semana, he leído que se ha asociado con otro de los grandes de la música americana: John Hiatt, el mismo que fundó Little Village con Nick Lowe y Ry Cooder... Recuerdas...

Los dos vienen actuando juntos en los que se puede definir como "un super dúo" y aquí va un ejemplo de lo que podemos encontrar si nos acercamos a verlos...

POR CIERTO...

2010-02-10T08:05:00.000-08:00

...la canción de humor y con trasfondo político ¿existe en España? En estos momentos sólo recuerdo el "humor melancólico" de Javier Krahe, el "corrosivo" de Wyoming y Reberendo, el "surrealista" de "La Caramba O'chichornia" - dúo en el que cantaba mi añorado Jaime Barella- o el "punki" de los Siniestro Total y, con posterioridad, el algo más racial y rockero de "Mojinos Escocidos". Pero un ejemplo como el que pones con Todd Sneider creo que le falta a la música española. Parece que nos damos por satisfechos con las magníficas y saludables chirigotas carnavaleras de Cádiz. El caso es que al escuchar la canción de Sneider sobre lo que ahora denominaríamos como un "teabagger" -los seguidores del Tea Party- y que antes englobábamos de manera más genérica en los "wasp", he recordado una canción que se llama "I'm an asshole" y que interpretaba el actor Dennis Leary en el que sin duda ha sido su mayor éxito en una carrera más bien discreta...

Otro actor: Tim Robbins -en este caso magnífico-, nos advirtió sobre otro aspecto del mensaje político a través de la música con su película "Bob Roberts". Algo que también nos falta en España... por el momento. En el siguiente vídeo se puede ver como un sentimiento popular generalizado puede convertirse en un argumento político en beneficio propio...

POR CIERTO...

2010-02-08T03:40:00.000-08:00

Después de haber leído tu recomendación me puse a buscar cosas de tu "pianista loco" y, amén de sus colaboraciones con Jane Birkin y un homenaje jazzístico a Gainsbourg que ya estaban en mi discoteca, seguí en spotify alguno de sus trabajos y, la verdad, me subyugó su delicado "solo piano". Ya sabes como soy yo de antiguo. En cuanto a lo del marathon de piano, no sé yo si soy partidario. Pero, en fin, en todo hay luces y sombras.
Y, por cierto, quiero aprovechar la ocasión para presentaros a un magnífico pianista al que tuve la suerte de conocer cuando, recién llegado de Argentina, acompañaba a mi amiga Paloma Berganza, Se llama Federico Lechner y, como podeis comprobar, no sólo es bueno, sino muy versátil. Qué os parece para abrir boca la visión que, con Antonio Serrano a la armónica, nos da de la sintonía de "Barrio Sésamo".

En este tema, arreglado a mayor lucimiento de Serrano, no se aprecian en toda su grandeza ni la clase, ni la sensiblidad de Lechner, que me recuerdan al llorado Bill Evans, quien, por cierto, también convirtió en pieza fundamental de su repertoriola banda sonora de MASH. No exagero y, para que lo comprobéis, aquí está con su trío haciendo este tango-jazz que ha titulado "Otra mina".

Por último os dejo con Federico despertando el genio de Albéniz en los Reales Alcázares de Sevilla con esta improvisación de su "Malagueña". Por cierto, si tocas el piano, nunca dejes que la cámara te tome desde atrás, salvo que te pongas chaqué o una chaqueta larga.

UN HIPPIE COMO YO

2010-02-05T03:39:00.000-08:00

Cojamos a un Bob Dylan joven, con su guitarra y su armónica, y mezclémosle con Lenny Bruce. Todo, claro está, salvando las distancias, porque la poesía de Dylan es la poesía de Dylan y porque los chistes de Lenny acabaron en tragedia.
Aún así, una vez mezclados subamos el resultado a un escenario y tendremos a un tipo corrosivo y progresista que, con sus chistes y sus canciones es capaz de mantener un show de dos horas en el que la gente no deja de reir y cantar los estribillos que conocen más que bien.
Este tipo, resultado de una mezcla tan dispar, existe, se llama Todd Snider y, como hijo que es de su época ha heredado lo mejor de todas las músicas que ha escuchado.
Sobre el escenario, sólo o con su banda va saltando, como quien cruza el río que le seapara de su parroquia, de piedra en piedra, por el rckabilly, el blues, el country, el folk y todo ese conglomerado de músicas sabias que configuran lo que hemos venido en llamar "Americana".
Pero, además de todo lo anterior, Todd Snider es, las veinticuatro horas del día, un activista contra el rancio conservadurismo económico y moral que durante ocho largos años atenazó los Estados Unidos.
Una muestra es este "Conservadores, cristianos, del ala derecha, republicanos, rectos, blancos, machos amreicanos" de su álbum "East Nashville Skyline"

Snider que se etiqueta de hippie, nació en Portland, la capital de Oregón, en 1966, cuando los sueños del "haz el amor, no la guerra" comenzaban a desvanecerse entre el humo de los canutos en los viajes de LSD.
En su primer álbum, que tituló "Songs for the Daily Planet" en homenaje a Superman, incluía, en plena efervescencia del grunge, un homenaje parodia al "Talking New York" de Dylan que él tituló "Talking Seattle grunge rock blues"

Mas allá de todo lo anterior, lo bueno de Snider, al que descubrí en Internet, saltando de uno a otro por los músicos afines a mis favoritos, es que es un tipo vitalista y divertido, con su "punto" de crítica sarcástica a todo lo que no nos gusta y nos dan como inamovible.
En su último disco de estudio "The excitement plan", que también defiende en directo, acompañado sólo con armónica y guitarra, incluye varios temas que van en este sentido, como por ejemplo "Money, compliments and publicity"

En fin, una joyita escondida, que desde Menphis recorre los Estados Unidos, moviéndose por locales pequeños en lso que es más fácil el contacto con el público y donde el milagro la interacción del show se produca cada noche.

LE PIANISTE FOU

2010-01-31T06:58:00.000-08:00

Es Jason Charles Beck un tipo grande, algo excéntrico y con un sentido del humor que ha hecho famosos a judios de Nueva York como Woody Allen o Jerri Seinfeld. Su primer problema fue que nació en Toronto, Canadá. Un país fantástico que dejó en 1998 después de una batalla legal con su casa discográfica que tras haberle producido como líder de un grupo llamado Son y haber editado un album de nombre "michaeljacksiano": `Thriller´-con claras influencias de Prince y Elvis Costello-, consideró que el siguiente:`Wolfstein´ era demasiado experimental. Contaba la historia de un hombre que se transforma en lobo después de haber tenido un golpe con su coche. Jason Beck, hermano de Chris Beck -compositor de bandas sonoras para cine y televisión-, decidió cambiar de continente -se trasladó a Berlín- y de nombre artístico: Gonzales, "Gonzo" para los amigos...

Después de Berlín, donde se proclamó "Presidente del underground" y donde lidera un grupo de rap que se llama Puppetsmataz, se trasaladó a París donde ha trabajado como `songwriter´-una palabra que apreciamos en este blog- para una resucitada Jane Birkin o para un grande entre los grandes: Charles Aznavour, además de vacilar con uno de los cantantes más excentricos de Francia: Philippe Katerine. Hasta la capital francesa había llegado, como él mismo dice, llevando a la cantande Leslie Feist como compañera de "sidecar". Su influencia es evidente en el disco que convirtió a la suave cantante "indi", también de nacionalidad canadiense, en una estrella mundial: `Let It Die´ y en el que después la encumbró como banda sonora del "cacharrito" teconológico de este inicio de siglo.
Gonzales y Feist son capaces de marcarse dúos emocionantes como el que sigue...

Pero "Gonzo" es un bulímico. No para. Y en 2004 se lanza a un proyecto que le ha dado a conocer como un gran pianista: "Solo Piano". De hecho, aprendió a tocar cuando tenía 3 años, mientras imitaba las clases que recibía su hermano Chris. Y es un pianista sumamente sensible -algunos le comparan a Eric Satie- que es capaz de hacer una versión tremenda -con toques a lo banda sonora de James Bond- de uno de los temas favoritos de Hernández...

La última excentricidad-heroicidad de Gonzales ha sido batir el record Guiness del "concierto más largo para solista" el 18 de mayo de 2009 en el Theatre Cine 13 de París, propiedad del cineasta Claude Lelouch -el de "Un hombre y una mujer"-. Allí, entre sudores dignos de un atleta más que de un músico, dejó perlas como esta versión del tema incluido en la banda sonora de "Staying Alive". Los Bee Gees es uno de los grupos favoritos de Gonzales...

Ahora vive en Londres, pero hay que estar atentos: cualquier día de estos se deja caer por España.

POR CIERTO...

2010-01-28T09:21:00.000-08:00

...al escuchar la increible voz de Terry Callier -en especial durante el video con Beth Orton en el programa de mi admirado Jools Holland- no he podido más que pensar en esos "crooners" que no lo parecen porque no se hacen acompañar por la clásica "big-band" aunque atesoren en sus melodías la misma intesidad romántica de las baladas que hicieran famosos a Sinatra, Crosby o, más recientemente, a los Bublé o Cullum (muy buenos, por cierto). Callier me trajo a la cabeza más a un Johnny Hartman acompañado por Coltrane y a alguien que también ha permanecido en un segundo plano, a la sombra de los grandes, y que ahora, en su madurez, se revela como un "crooner" temible: Ben Sidran. Su último trabajo -después del que grabó en el castizo Café Central- es una reinterpretación -y digo bien- de 12 temas clásicos de Bob Dylan como este "Highway 61"...

Sidran es un "jazzman" como la copa de un pino y sería bueno recordar tanto sus inicios con la Steve Miller Band como sus colaboraciones con Van Morrison, donde trabo una amistad complice con otro gran teclista y jazzman en la sombra: Georgie Fame, con el que se monta este vacilón "Its Should Have Been Me"...

Como ya sospecháis, la próxima entrada va de un pianista "crooner" con un sentido del humor muy especial.

POR CIERTO...

2010-01-25T10:52:00.000-08:00

Por cierto... Gracias, Fernández, por tu recomendación de Richard Bona. Es un palo que apenas tocoy es bueno sacar los oídos a pasear de vez en cuando.
Efectivamente, es un tipo lleno de sensibilidad y humor, lo cual nunca está de más, y, sobre todo, parece tener muy claro de dónde viene y de lo privilegiado de su posición, para ayudar a los que todavía están allí. Si te pones a ello, resulta curioso hacer el ejercicio de imaginar que lo que Bona tiene en sus manos no es ese mágico bajo, sino una kora. Te garantizo que en seguida vas a apreciar, como con un buen vino, todos los matices de su música.
En agradecimiento a tan magnífica sugerencia, te regalo el enlace con esta maravilla: Richard Bona como invitado del concierto acústico de Lenine para la MTV.

En cuanto a tú último "por cierto", qué te voy a decir. Has despertado en mí el cosquilleo de otros tiempos. Me he puesto a buscar mis canciones preferidas de Esclarecidos y he encontrado ésta, en un clip más o menos aceptable ¿Tendrá algo que ver el que mi padre tuviese tienda?

Y para Antonio que sé que está ahi, una indiscutible "Arponera

Otro "por cierto", éste en homenaje a Isaías Lafuente ¿Las ballenas y los cachalotes se pescan o se cazan?

UCHAS GRACIAS POR

EL VECINITO DE CURTIS MAYFIELD

2010-01-23T01:34:00.000-08:00

La memoria es un cesto de cerezas del que tirando de un recuerdo o un pensamiento van surgiendo otros. Lo digo porque la última vez que nos vimos hablamos de Hal Wilner, un mítico productor de Filadelfia al que, sin yo saberlo, descubrí un día en su homenaje a Nino Rora "Amarcord Nino Rota", en el que ponía a músicos de todos los pelajes al servicio de un homenaje hecho a la mayor gloria del genial compositor italiano. Fue entonces cuando tú me hablaste de otro homenaje, el dedicado a Thelonious Monk, que yo había olvidado y que te descubrí antes de tener que deshacerme de aquel doble vinilo. Pues bien, de aquella conversación surgió la curiosidad por la totalidad de las producciones-homenaje de Wilner y gracias a ella descubrí que una de sus últimas aportaciones, magnífica como siempre, es el denominado "The Harry Smith Project: Anthology of American Folk Music Revisited", actualización de aquella primera antología que editara el folklorista norteamericano Harry Smith en los cincuenta.

Magnífico disco -doble- en el que se puede escuchar a los mejores del folk rock y más renovando clásicos de la música folk norteamericana. Una de eses recreaciones le corresponde a la británica Beth Orton, a la que tenía un tanto perdida y fue la que me llevó -otra vez las cerezas- a Terry Callier, un curioso tipo, de indiscutible calidad que ha hecho el camino del folk al rhythm and blues, olvidado en los setenta y rescatado por los "pinchadiscos" británicos y por la delicada Beth Orton que le cedió todo el protagonismo en uno de sus discos, en el que comparte voz y sabiduría con Callier, como en este delicado "Dolphins".

Terry Callier, de Chicago, del 45 y vecino durante su niñez de Curtis Mayfield, decidió hacer de la música su medio de vida. Y no le fue mal del todo, partiendo del folk -del nuevo sonido folk, como rezaba la portada de su primer álbum- consiguió algún que otro éxito que, pese a todo, no le daba seguridad como para mantener una familia. Fue por eso que, cuando a los treinta y tantos recibió la custodis de su hija que por entonces tenía 12, colgó la guitarra, estudió informática y se convirtió en programador, con trabajo en la Universidad de Chicago.
Y su guitarra hubiese seguido colgada de no ser porque, con la llegada del accid jazz y otros estilos basados en el rescate de viejas músicass, en las discotrecas del Reino Unido comenzaron a pincharse sus discos, esos discos casi perdidos que, sin embargo, tenían ese sonido tan especial .

Fue Beth Orton la que le devolvió a los estudiso en 1997 con sue EP "Best bit". Un disco que era, de principio a fin, un homenaje al veterano músico. Terry aprovechó el tirón y grabó su álbum "Timepeace", que fue premiado por la ONU por su contribución a la paz mundial.

Lo cierto es que el estilo de Terry, a caballo entre el folk y el soul, ha resisitido como si nada el paso del tiempo y su carrera se ha relanzado hasta el punto de que a la edad en que otros se jubilan ha colocado en las listas su álbum "Hidden Convesratiosn", al tiempo que Massive Attack ha decidido contar con su voz para su tema "Live with me".

POR CIERTO...

2010-01-19T10:16:00.000-08:00

...la música es asociación de idéas y tu comentario, Javier, sobre las "Pauline" -de las que me habías hablado pero que no había podido degustar hasta ahora- me ha traído a la cabeza otra voz y otra música también de dos hermanos: los Lliso, que en el ámbito de ese singular proyecto musical que fue Esclarecidos también tenían ese gusto por las letras bien hechas y por esas armonías delicadas. La voz de las hermanas Alvarez me ha recordado más que a las Vainica Doble, la manera en la que Cristina Lliso interpretaba una de mis canciones de amor favoritas por la melancolía que destila: "No hay nada como tu (soberbia)", incluida en su disco "Rojo" y en la que también, por cierto, aparece una playa. No he conseguido el tema -ni en video ni en mp3- para poder colgarlo en este comentario. Sí he encontrado un sosísimo video-musical de otra gran canción de amor de ese mismo disco: "El tren azul", en la que el saxo que tocaba el hermano de Cristina está también muy presente...

Por cierto, ¿qué es de los hermanos Lliso? ¿existe todavía GASA? He visto un disco de Calamaro en el que colabora Cristina, pero nada más.
Salud y ¡banzay!